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Bonjour chers auditeurs,Demain dans Jazzology je vous présenterai le dernier album Tribe du trompettiste Italien Enrico Rava sur le label ECM avec Gianlluca Petrella au trombone, Giovanni Guidi au piano, Gabriele Evangelista à la contrebasse et Fabrizio Sferra à la batterie ainsi que Giacomo Ancillotto à guitare en guest. Ils seront demain vendredi 8 février en concert à Pôle Sud !

L’album Tribe commence par la ballade Amnesia aux jolies lignes mélodiques trompettes trombone (Gianluca Petrella) sur une mélodie très simple mais belle. On y entend que Rava a comme Chet, Petrella ou Glenn Ferris le talent de faire durer les notes et leur émotion et les terminer librement par l’aléatoire

Après le solo de piano de Giovanni Guidi dans Garbage Can Blues, on retrouve le groupe dans Choctaw, un bon Blues Be Bop où Enrico Rava a des phrases à la Miles Davis électrique sur la batterie drum N la basse ronde de Gabriele Evangelista, les cinglantes cymbales de Fabrizio Sferra puis un jeu de cache cache avec le trombone en embuscade sur le martèlement pianistique de Giovanni Guidi.

Autre bon Hard Bop plus modal d Enrico Rava rappelant Rava Noir et un peu le Pinocchio de Nefertiti) par ses lignes brisées Cornettology, comme Ornythology de Charlie Parker peut-être, ou hommage tardif et très modernisé à Bix Beiderbecke, cornettiste de Chicago qui trouvait que la trompette avait « un son pee wee ».

Dans les ballades très lentes, comme F. Express (dédiée peut-être à l’immobilité mobile d’un voyage en train) la trompette d’Enrico Rava a le naturel d’un coquillage de Steve Turre échoué sur une plage italienne, d’une trompette oubliée par Chet Baker en Italie sous les vagues Jazz Rock tremblotées de la guitare à la Bill Frisell de Giacomo Ancillotto, quelque chose de très libre que Rava apporte au Jazz transalpin dans cet Art d’être porté joué, agi par la musique plus qu’il ne la commande avec cet abandon de prendre son temps.

Dans Tears For Nèda plus encore, Rava fait pleurer le chant des sirènes en lignes atmosphériques, puis revient sur terre avec le vent pour caresser la « Song Tree », Chanson Arbre dont Rava se fait rameau tandis que Petrella enfle les feuilles et que Sferra fait bruire les branches. « Paris Baguette » est plus mélancolique que « La Petite Laitue » de Roy Eldridge, et me fait penser à un petit matin parisien d’avant à Paris, un peu de ce blanc laiteux encore du début du Central, dernier roman d’Alain Gerber.

Et puis La Mer, L’Arbre, La Baguette, tout cela est sur la Planète Terre, Planet Earth nous dirait Prévert qu’il faut préserver, si belle parfois avec une trompette rappelle Here Comes That Rainy Day  sur les cymbales bruissantes tandis qu’au loin le trombone en prolonge la ligne en coulisse vers on ne sait où sauf que ça bouge comme des tempêtes climatiques apocalyptiques annoncées dans un crescendo dramatique.

Sur la terre, il y a des tribus, des tribus d’Afrique et des tribus urbaines des clubs qui jouent du Bop Africanisé, des cats comme disait Cab Calloway, et ce groupe Tribe est la nouvelle tribu d’Enrico Rava qui portera ses tribulations à Pôle Sud demain soir à 20 h 30. Tribu nomade peut-être et de passage qui finit par s’assourdir, s’endormir sur l’herbe ou dans un lit de hasard

Une Tribu Jazz ça sert à l’Improvisation, à créer et composer ensemble, à se séparer puis retrouver, remplir l’espace du silence, être totalement de soi et complètement au service des autres avec cette liberté qui en fait le plus bel exercice de démocratie musicale possible !

Jean Daniel BURKHARDT

Né à La Nouvelle Orléans en 1899 ou 1900 (il aurait changé la date pour ne pas être incorporé dans l'armée), Louis Armstrong eut une enfance pauvre, et connut même la maison de redressement pour avoir tiré en l'air avec un revolver le 4 juillet! Il y a le livre d'alain Gerber (biographie romancée, comme d'habitude, LOUIE, qui parle en fait plus de la Nouvelle Orléans de l'enfance de Louis, de Buddy Bolden, le premier à avoir joué du Jazz à New Orléans, interné en 1905 pour avoir tiré sur sa belle mère pris de boisson, Jelly Roll MOrton, les fanfares, tout ce passé mythique).

Convaincu par la photo de la pianiste de l'orchestre Lil Harding, il rejoint son maître [King Oliver et son Creole Jazz Band|http://www.youtube.com/watch?v=1-hsQTWJmAI], atteint de pyorrhée des gencives, pour ses premiers enregistrements historiques d'armstrong avec son maître où il joue le second cornet en 1923 et 24 à Chicago, au son très daté, mais ce sont parmi les premiers enregistrements de Jazz New Orleans Noir Authentiques, avec Johnny Dodds à la clarinette, Baby Dodds à la batterie, Kid Ory au trombone.

En 1925, il est recruté l'orchestre de Fletcher Henderson, le premier big band noir, où il était invité copmme trompettiste hot. Le premier jour, ayant vu une partition notée pp, il y est allé à fond, comprenant pound plenty (à pleins poumons) alors que c'était pianissimo, mais il y est moins à son avantage qu'en accompagnateur de Sidney Bechet au sarusophone ou Bessie Smith !L ouie Armstrong tournait beaucoup dans les années 20s, on s'est longtemps demandé pourquoi il pouvait se produire un soir à un bout et le lendemain à l'autre des States. Son producteur avait revendu son contrat à un certain Al Capone dont il fuyait les sbires, jusqu'a sa tournée en France en 1929 où il a débarqué à Marseille, s'est plaint à des agents de police, a pris des engagements à paris puis est rentré avec le fric sans les honorer! C'était la première star noire et à ce titre, il a aidé les noirs dans la ségrégation en leur montrant qu'un noir pauvre sorti d'une maison de correction à la nouvelle orléans pouvait faire la une des magazines dès les années 20s.

Ensuite il a fait ses premiers enregistrements Hot Five et Hot Seven (1926_1927), publiés en deux CDs, et c'est du très bon New Orleans classique, il prend de plus en plus la place de soliste sur la collective, invente le scat avec "Heebie Jeebies" : le papier où était écrit le texte lui a échappé des mains et il a dû improviser des paroles en plein enregistrement.

En 1928, il a formé un nouvel orchestre, ayant divorcé davec Lil Armstrong sa pianiste, avec Earl Hines au piano créant un style "piano trumpet". Je te conselle Monday Date, Weather Bird en duo, et West End Blues où pour la première un soliste s'envolait.

En 1929, quand la mode est venue au swing, il a dissous son petit orchestre et pris un big band. Le batteur Zutty Singleton ne lui a jamais pardonné mais la mode n'était plus au New Orleans. Ma période préférée est ce grand orchestre période st Louis Blues 1929 1930s (Masters Of Jazz) avec "Just A Gigolo" et "Rocking Chair", ça s'est maintenu jusqu'en 1932 environ.

Ensuite il faut chercher dans The Small Bands de 1940s 1950s pour avoir du très bon enregistré pour le plaisir avec des amis ety pas trop commercial, avec The Birth Of The Blues".

Il a longtemps joué les oncle tom avec des propos comme "A La nouvelle orléans, chaque noir devait avoir un blanc qui puisse dire: C'est MON nègre pour ne pas être tué juste par jeu dans la rue", et un jour dans les années 60s, il a explosé en interview à propos de l'affaire des lycéens noirs d'Alabama car le gouverneur Faubus, [le même qu insultait la Fable Of Faubus de Charles Mingus|http://www.youtube.com/watch?v=QT2-iobVcdw], interdisait à des lycéens noirs d'aller au lycée blanc! Kennedy a envoyé l'ARMEE pour les protéger et Faubus lui opposa les flics en disant "Il faudra me passer sur le corps". La guerre de Sécession a cessé c'est sûr en 1865 libérant lesesclaves. Les noirs ont obtenu le droit de vote en 1969!!!! Alain Gerber lui fait dire dans "Billie", "Nous avons peut être trop de mémoire!"

Il reste l'un des meilleurs trompettistes de Jazz (jusqu'à cracher du son à force de souffler dès les années 30s) et un des chanteurs les plus émouvants, même dans "La Vie en Rose. Mon pote Martin disait: "le problème c'est qu'aujourd'hui il nous chanterait le Temps des cathédrales", et j'ajouterais qu'on serait encore fichu d'aimer ça!

Jean Daniel BURKHARDT

Dès « Portait Of Girgio Thelos », dédié à Ligheti et Thelonious Monk, lepianiste français Benoît Delbecq a toujours l’hypnotique tournoiement d’un balafon Africain trafiqué d’électronique à la Konono N° 1 ou une sanza dans les cordes de son piano préparé sans qu’on le voie l’actionner. Mais finalement le fonctionnement du piano n’est pas si éloigné de ces instruments : des cordes frappées par des marteaux recouverts de casimir, et le pianiste Canadien Milne semble à certains moments en jouer aussi dans l’espacement des mains sur le clavier ou l’intensité de ses doigts sur les touches. Mystère, mais c’est joli et hypnotique à entendre.

Delbecq et Milne (qui accompagna Steve Coleman pendant plus de dix ans, se sont rencontrés il y a vingt et un ans à un workshop où il enseignait au Banff Center au Canada.

Arrive le saxophoniste alto Steve Coleman et son Trio Reflex, avec Marcus Gimore à la batterie et David Virelles au piano et clavier.

Steve Coleman n’est revenu au trio Reflex que très récemment au New Morning de Paris, après près de vingt ans de formations plus larges avec les Five Elements.

Mais c’est peut-être dans cette formation réduite qu’on retrouve dès l’introduction le grand saxophoniste lyrique insoupçonné et virtuose qu’est Steve Coleman, dans la lignée de Lester Young ou plus encore de Charlie Parker, dont il joue, avais-je lu dans Jazz Magazine les thèmes de tête à une vitesse folle pour essayer un nouveau saxophone en magasin avant de l’acheter, ce que le public ne voit pas habituellement.

Le titre Reflex, déjà utilisé dans « Resistance Is Futile » (titre qui n'était PAS en trio) à son retour d’année sabbatique en 2001, est à l’image du trio où chacun semble bien être, quand piano et batterie se mettent en mouvement, trois éléments organiques ou cosmogoniques d’une même entité jouant sur leurs réflexes, se répondant l’un l’autre plus sur leurs intuitions que sur la pensée réfléchie de la musique, dans l’instant, l’improvisation pure, libre et équitable, équilatérale du trio, chacun étant tour à tour rythmique ou mélodique.

Steve Coleman taxiphone tel un Hamiett Bluiett dans le traffic de la batterie, puis tire sa ligne en mélodique en longueur entre les écarts noirs et blancs du piano, mène la danse avec une liberté d’improvisation mais aussi un goût sûr et une classe folle.

Il fait disparaître/apparaître, advenir/survenir ou s’enfuir sa présence/absence circulaire et mouvante, cosmogonique, à l’image de ses pochettes de disques et de ses liner notes très spirituelles, compliquées, mais magnifiques d’humanité spirituelle. Il a cependant toujours eu l’humilité de considérer que, comme il l’écrivait sur celles de « Lucidarium » si lui compose avec à l’esprit des implications spirituelles en rapport avec ses recherches, il laisse le public libre dans sa réception de considérer sa musique comme du bon Jazz Néo Bop, voire même une base rythmique Hip Hop offerte aux improvisations des MCs du monde entier, comme elle l’a été pour son propre projet Hip Hop les Metrics avec les rappeurs d’Opus Akoben dont le MC Kokayi emmené à Cuba pour « The Sign & The Seal » et qui poussera même jusqu'au scat dans "Lucidarium".

C’est peut-être dans ce trio qu’il se montre le plus proche de la tradition du Jazz. En effet, même si l’on ne peut qu’admirer les concepts spirituels ethniques cherchés comme des ferments originels du Jazz dans les cultures d’Afrique, d’Orient (Egypte Ancienne) ou en Asie (dans sa pratique du Bouddhisme) pour en nourrir le Jazz et ne pas le limiter à de seuls thèmes néo-bops d’inspiration afro-américaine, dans les albums de Steve Coleman, on a l’impression de ne l’avoir JAMAIS vu jouer aussi bien, ou peut-être plutôt aussi mis en avant de sa musique, ce que peut-être son humilité de chef d’orchestre au sein des Five Elements ne l’autorisait pas à faire, servant à travers la musique autant les autres que lui-même, et donc forcément plus en retrait. C’est en cela que Steve Coleman montre la voie, et que même le propre fils de Coltrane Ravi l'est de jouer sur ses albums.

Coleman et Gilmore ne font pas la même chose, mais par leur complicité s’établissent en direct des équivalences sur leurs instruments mélodique et rythmique qui fait évoluer peu à peu l'improvisation, l’improvisation tout en restant toujours aux aguets les uns des autres avec le piano.

Comme Miles Davis à l’Île de Wight, Steve Coleman ne s’arrête pas en fin de thème (qui semblent inexistants) avant une bonne heure et demie, et seules les variations d’intensité entre des parties mélodiques calmes et lyriques comme des ballades et d’autres plus rythmiques et tourmentées, telluriques comme du Be Bop permettent de se repérer ou de s’y perdre successivement.

Marcus Gilmore joue le rôle d’élément perturbateur ou de défi assumé en enlevant brusquement le tapis volant sous les pieds du fakir Coleman en lévitation.

Quant à Virelles, il ajoute des flûtes et staccatos martelés sur le même motif obsessionnel soudain presque Gwoka-ribéen où le saxo de Coleman prend la sinuosité d’un serpent et l’envoûtement d’un sphynx.

Après ces improvisations libre au thème méconnaissables, on reconnaît un peu du « Make Believe » de Charles Mingus (repris par de jeunes musiciens du Conservatoire jeudi GRATUIT au TJP à 18 h) pour Jaclie Paris repris par Laïka Fatien sur Nebula, en concert ce soir au Théâtre de Haguenau.... Peut-être le fil rouge du standard courant le festival cette année?

On rencontrera plus tard une réminiscence peut-être inconsciente de « Blues For Allah » des Greatfull Dead (inspiré par une tournée en Egypte). Né en 1956, ce qu’on oublie à son look Hip Hop très jeune (casquette à l’envers vissée sur la tête, veste Hip Hop, jean large, et T Shirt décoré du Xi, boule du Ying et du Yang noirs sur fond rouge) il avait dix ans dans les années soixante! En ce désert, Marcus Gimore décrit les accents de terrains des dunes, Virelles souffle le vent des sables qui les déplace.

Pour en revenir à Parker, Peut-être Steve Coleman joue-t-il comme Parker AUJOURD’HUI, après la modernité Coltranienne et celle du Free Jazz à venir que Parker ne pouvait soupçonner donc dépasser, qu’exprimerait Julio Cortazar en lui prêtant cette phrase : « Cette note, je l’ai déjà jouée DEMAIN !» en inventant librement un jazz à la fois originel et actuel pour notre XXIème siècle prenant à son compte les musiques du monde de la Batucada Brésilienne aux Gnawas Marocains et y retrouvant l’Afrique et les Caraïbes, dont Parker et ses contemporains étaient les premiers conscients mais encore orphelins par l’esclavage puis la ségrégation, quoiqu’il ait joué (et fut l’un des seuls à le faire, avec Dizzy Gillespie) sur des rythmes Afrocubains avec les Afrocubans de Machito « Manguo Mangue » puis composa « My Little Suede Shoes », que Django Bates reprendra peut-être en trio avec son projet « Beloved Bird » ce soir à Pôle Sud.

Enfin, après un Bis ethnique accompagné d’une cowbell où il chanta et scatta d’une manière qui le rapproche de son compatriote Leon Parker, batteur de Jazz des années 90s qui ensuite fit dans les années 2000s du body percussion et des musiques plus ethniques, puis revint au Jazz avec Jacky Terrasson (avec qui il jouait dans 90ies) puis Giovanni Mirabassi.

Il termina enfin par une de ses compositions, « Ritual » (http://www.youtube.com/watch?v=XipnyiFxbxQ ), déjà déclinée en solo, pour les Five Elements et Yen Shyu (Air) et pour Trio (Ritual Trio Earth) et sur son album « Weaving Symbolics », comme quoi, tout est dans tout et change, ou se transforme entre la micro et la macro cosmogonie Colemanienne....

Jean Daniel BURKHARDT

Quand on parle de la grande période du Jazz, on est souvent déçu de se rendre compte que la plupart de ces héros du Bop sont morts depuis 50 ou 60 ans, ou récemment comme Jimmy Giuffre dont je vous parlais il y a quelques semaines, dont j’ai appris la mort en 2008 en préparant mon émission. Quelle ne fut donc pas ma joie et ma surprise en apprenant qu’un des saxophonistes de la Côte Ouest ou de la West Coast était non seulement encore vivant ce qui après tout n’engage que lui, mais encore en activité, et passerait même à l’Illiade d’Illkirch ce soir! Il joue du saxophone alto et soprano et chante, s’appelle Herb Geller, et sa carrière l’a fait croiser les plus grands.

Herb Geller est né à Los Angeles en Californie le 2 novembre 1928, ce qui lui fait tout de même 82 ans, mais lui a permit de participer activement au style West Coast de cette Côte Ouest des Etats-Unis, derrière des Art Pepper ou Bud Shank sur les disques des Giants de Shorty Rogers. Il a épousé Lorraine Geller, qui a elle aussi un beau palmarès, ayant joué avec Miles Davis et Chet Baker., a joué Clifford Brown de passage sur la WestCoast.

Si Benny Carter le poussa à choisir l'alto, Charlie Parker reste sa principale influence, et le Dictionnaire du Jazz précise : « On entend en Geller deux musiciens différents : un compositeur arrangeur typique du style Westcoast, mais aussi un joueur d’alto lyrique, expressif, prolixe, plus crispé que cool, où affleurent des violences légères dont les déchirures, ni différées ni tellement retenues, débordent les canons de l’esthétique West Coast, on reconnaît que passent, en contrebande, les fantômes noirs du bop", tout en excellant aussi dans les standards.

Mais à la mort de Lorraine en 1958, il part en tournée avec Benny Goodman au Brésil avec le Big Band de Benny Goodman, joue avec Bill Evans en 1972 et Ella Fitzgerald et a fini par faire toute sa carrière au NDR Orchestra de Berlin et dans d'autres Big Bands Européens.

A la flûte, son "Space a La Mode" a été repris par Mark Murphy et il a aussi un bon arrangeur groovy dans les années 70s avec ce "Titel Wave", également doué pour les tempos latins, ce qui ne l'a pas empêché de jouer avec Louis Bellson (batteur de Duke Ellington) ou de retrouver chet Baker dans les années 80s pour son dernier disque "My Favourite Songs"

N'ayant jamais arrêté de pratiquer son instrument, il peut enfin récolter ses lauriers depuis sa retraite en enregistrant et continuant à se produire sous son propre nom, et a soutenu Barack Obama par son "Obama Bound"

Il sera ce soir en concert à l'Illiade d'Illkirch Grafenstaden! Pour les Amateurs de Jazz Authentique, je vous recommande aussi le Festival de Jazz de Munster de Michel Hausser, vibraphoniste de Jazz né en 1927 qui joua avec Geller chez Quincy Jones à Paris dans les années 50s.

Ce soir également, à L'Elastic réouvert récemment, Pablo Valentino mixera du Hip Hop, Beats,Funk, Breaks et Drum'n'Bass

Jean Daniel BURKHARDT

Bill Frisell|http://www.billfrisell.com/] est l’un des plus grands guitaristes de Jazz américains des années 80s, 90s et 2000s, et le plus américain de ces grands guitaristes, car rassemblant toutes les influences Jazz, Blues et même Country, et incarnant ainsi l’image fantasmée qu’on peut se faire de l’Amérique profonde, et sera en concert demain Vendredi 25 mars à Pôle Sud avec son projet Disfarmer.

Bill Frisell est né le 18 mars 1951 (il vient donc d’avoir 60 ans il y a quelques jours, double raison de parler de lui) à Baltimore, dans le Colorado, bercé dès l’enfance par la musique Country. Il commence par la clarinette, puis s’intéresse à la guitare par le blues avant de se mettre au Jazz. Au lycée, il côtoie les futurs membres d’Earth Wind & Fire et se met à étudier la musique. En 1971, il intègre la Berklee School Of Music où Pat Metheny est son condisciple et prend des cours avec le guitariste Jim Hall qui l’a profondément influencé.

Mais dès ses débuts, il mêle le Jazz à l’influence des autres musiques américaines. En 1978, il fait un séjour en Belgique à l’invitation de Steve Houben, rencontre Manfred Eicher et devient dans les années 80s le guitariste maison du label ECM accompagnant Arild Andersen, Jan Garbarek, Paul Motian, etc....

Entre 1979 et 1989, Bill Frisell vit à New York et devient un musicien très en vue malgré sa discrétion grâce à l’aboutissement et à l’originalité de son style et à sa faculté d’adaptation à tous les genres. Il accompagne Naked City de John Zorn, Tim Berne, Julius hemphill, Marianne Faithfull, Elvis Costello, Paul Motian et Marc Johnson, puis signe avec le label Nonesuch et monte un groupe avec Joe Lovano et Hank Roberts, puis avec le batteur Joey Baron et le bassiste Ron Carter.

En 1995, Bill Frisell opère un retour aux sources de la country Américaine assez rare pour un guitariste de Jazz avec l’album Nashville et la belle ballade « Gimme A Holler », enregistré dans ce haut lieu de la country music avec des musiciens du cru : Viktor Krauss, recruté au dernier moment, qui aime autant le Blue Grass qu’ACDC à la basse, avec lequel il a souvent joué depuis, et avec qui on pourra l’entendre vendredi.

En 1998, Bill Frisell retrouve Peter Krauss à la basse en trio avec Jim Keltner, découvert avec Ry Cooder à la batterie dans l’album « Gone Just Like A Train », plus urbain et électrique avec le reggae funky Egg Radio et ce « Blues For Los Angeles » Hendrixien.

A l’orée du millénaire, Bill Frisell a modernisé sa palette en ajoutant à ses guitares quelques effets électroniques, samples et autres boîtes à rythmes dans l’album « Good Dog, Happy Man » (avec son chien sur la pochette) avec Wayne Horvitz aux claviers, Greg Leisz (qui sera à Pôle sud vendredi) au dobro et à la mandoline, guitares jouées assis, Viktor Krauss à la basse et Jim Keltner à la batterie. Mais malgré cette légère modernisation, Bill Frisell sait retrouver l’authenticité de la Country et de la musique faite entre amis pour le plaisir.

En 2001, Bill Frisell retrouve Greg Leisz aux cordes pour Blues Dream, album de Blues (Country, bien funky avec les cuivres avec Soul Merchant, ou plus traditionnel porté sur les cordes et le bottleneck dans « Outlaws ») où il retrouve les cuivres de Ron Miles à la trompette, Billy Drewes au saxophone, Curtis Fowkles David Piltch à la basse et Kenny Wollesen à la batterie.

Enfin, Bill Frisell a encore enrichi sa palette dernièrement avec son album History Mistery : en plus de Ron Miles et Greg Tardy au saxophone, il a ajouté les cordes de la violoniste Jenny Schienman qui sera présente vendredi à Pôle sud, mais aussi vers les musiques du monde en jouant « Baba Dramé » de Boubacar Traoré ou avec le Brésilien Vinicius Cantuaria pour The Intercontinentals, en gardant toujours sa modernité dans la composition narrative cinématographique, comme dans ce «Probability Cloud ».

Le dernier disque de Bill Frisell Disfarmer qu’il jouera à Pôle Sud demain soir lui fut inspiré par les photos du portraitiste du même nom (« Non Fermier », quoique né fermier) qui photographia de simples habitants de l’Arkansas entre 1929 et 1939.Conférence sur ces photos à Pôle Sud à 19 h.

Ecoutez ma sélection ce soir à 21 h dans Jazzology.sur Radio Judaïca.

QU'ECOUTER ? OU DANSER CE WEEK-END DANS VOS SALLES

Ce soir Jeudi 24 mars:

Le chanteur enSOULéilléLériks se produira pour 4 € à la Giraf.

Venez écoutez le tout nouveau Quatuor Bossa Nova, Brätzil, DanYDan,DJ Maïshttp://www.facebook.com/l.p... & le MC Hip Hop TH' Mole, AKA DJ 0.000001 au Kitsh’N’Bar GRATOS,

Black Octopus (Pablo Valentino de Faces Records et DJ Ficus de Caterva et Sens Inverse) livrent leurs derniers Beats Live au Mudd club GRATOS.

Demain VENDREDI 25 MARS:

vous pourrez entendre le chanteur et guitariste et chanteur Pierre Bensusan à l'Espace Django Reinhardt du Neuhof,

et les Berlinois de 17 Hippies à l'Illiade au Printemps Des Bretelles.

Plus tard Chill puis DJ Suspect (The Funk League) seront Mudd Club jusqu'à 1 h,

et Mr Natacha sera jusqu'à 4 h à l'Entrepôt (5 € l'entrée)

SAMEDI 26 MARS:

Les Klezmatics (All-Star Klezmer -Ska - Rock New Yorkais) seront en concert samedi à l’Espace Django Reinhardt du Neuhof à 20 h 30.

DJ Oskar (Hip Hop) sera samedi au Mudd Club jusqu'à 1 h

Pablo Valentino et Jayffe innoveront samedi en ajoutant le Live à leur soirée My House avec Slikk Tim, multi-instrumentiste ayant collaboré en tant que bassiste et guitariste avec les grands noms de la house soulful comme Little Louie Vega, Arnold Jarvis,, Grant Nelson, Barbara Tucker et bien d'autres. samedi à l’Entrepôt. L’entrée reste GRATUITE.

Jean Daniel BURKHARDT

Le batteur Laurent Robin a déjà derrière lui une belle carrière en Jazz (Portal, Lubat, Bojan Z), Chanson Française ou Variétés (Michel Jonasz, Arthur H, M), mais étonne encore avec « Ode To Doodooda » enregistré avec son Sky Riders Project (Benjamin Moussay : orgue Hammond, claviers et synthétiseur ; Vincent Laffont : Fender Rhodes et synthétiseur et la chanteuse Pékinoise Xiao Li sur deux titres). Après vous avoir fait danser tout l’été (il est sorti le 6 avril 2010), il vous tiendra chaud dans les rigueurs de l’hiver....

« Ode to the Doodooda » démarre très fort par un bon rythme de batterie funky, dansant, amusant par son comique ambulatoire irrésistible, sur lequel les deux claviéristes chevaucheurs font passer dans le ciel les nuages irisés où l’on reconnaît le «Love Supreme» de Coltrane, la pluie en piqué et le beau temps diaphane, les promesses d’orages stellaires qui n’éclateront pas encore. Mais on dénote déjà la richesse des couleurs des claviers, des textures dès ce décollage en beauté.

Sur « Xiao Li’zz », le clavier se fait zen (ils semblent sur les photos être adeptes du Tai Chi urbain en coursives d’aéroport ou de métro), ambient à la Brian Eno, délicieusement reposant comme un massage des écoutilles qui nous fait partir jusqu’en Chine avec la délicieuse chanteuse Xiao Li, petite incursion exotique et phrase reprise par un musicien « Pink Is The Colour Of The Xiao Lizz » (une fleur).

Ça se corse avec « Tamack Molock », les rythmes plus urbains, rapides, électroniques, ralentis par l’orgue Hammond à la Jimmy Smith de Benjamin Moussay, plongeant ensuite dans des contrées sous-marines à la Eddy Louiss dans « C’est Eddy » de Nougaro, de plus en plus inquiétant, doublé par les claviers maintenant et faisant rebondir les notes sur les touches (spécificité que n'offre pas le piano acoustique, et qui séduisit Herbie Hancock quand Miles lui prposa ce "jouet") . Le rythme change avec le temps, repart sur l’orgue rassurant que fait mousser Moussay, Laurent Robin surfant sur la cymbale comme sur la pochette, va au fond des touches à la Wild Bill Davis. Le clavier se prolonge encore sur les balais véloces de nuances enveloppantes, d’un malstrom sonore indéfini, à la Facelift de Soft Machine dans Third. Surfer en équilibre tenant le Funk d’un côté et le Rock de l’autre, Laurent Robin ouvre le Jazz à un nouveau style positif, évolutif et passionnant.

« The 3 PF n P » continue sur la lignée asiatique des claviers lents en ballade, l’un mélodique, l’autre en contre chant piqué et vice versa avec des échos de voix, comme une parole, une caresse, un chant profond de l’électricité pure en ses éclairs, en ses nuages roses, puis rouges au son de plus en plus aigre, à la « Rock Bottom » (du batteur chanteur de Soft Machine pour "Moon In June", Robert Wyatt, passé aux claviers après son accident de fenêtre sous LSD) et s’arrêtant comme une machine aux piles mortes.

Xiao Li montre dans « The Sweetest Smile » qu’elle peut aussi être une émouvante chanteuse de Ballade Jazz sur les ralentis bouleversants de l’orgue Hammond. Beau à pleurer.

« Monica In London » est à nouveau urbain, Rock, inquiétant avec un clavier en sirène de police, l’autre dessinant en piqué un paysage électronique, l’un traçant la mélodie tandis que l’autre imite le vent ou les pales d’un hélicoptère. Soudain sur la batterie de ras en drum’n’bass, ça part en électro-flipper à la Bedrocks de Uri Caine. Mais un clavier vient bientôt rassurer sur les couleurs peintes en lavis de l’autre, un peu à la « Bitches Brew », puis se lève à la Soft Machine avec les oiseaux des gratte-ciels tombant sur les toms de la batterie, les boutons électroniques de tremblements tombant comme des bombes, des lasers de fin du monde. Xiao Li repasse en nuage Pink. L’orge Hammond reprend sa chute Dantesque disloquant le son, les distorsions, l’électricité, hurlant dans un cratère possédé par une tornade ascendante. Je n’avais jamais entendu de claviers à la fois si vivants et presque déjà mutants vivre librement, entre le big bang, les dinosaures jurassiques originels et la fin du monde apocalyptique.

Heureusement la « Sentinel In The Space Way » veille au grain du groove dans les claviers, avec des réminiscences Arroyo-Truffaziennes et des riffs du tonnerre à la « You Really Got Me » des Kinks passant dans le ciel, les claviers élevant des ponts suspendus chinois en pagodes entre les coups de batterie groove, l’ampleur chaleureuse de l’orgue Hammond jusque dans les dérapages contrôlés. Laurent Robin se la joue même Airto Moreira avec des petits frottements criés de cuica faisant de la jungle urbaine un faubourg de l’Amazone en fond sonore.

Cela se termine par un joli « God Save The Queen » au piano acoustique doublé par l’orgue Hammond en final, suivi des cymbales légères et des tambours du leader.

Pour d’autres aventures, claviéristes entre acoustique et électrique, Benjamin Moussay vient de sortir « ON AIR », son troisième album en trio, ménageant le classicisme romantique et lyrique du premier et les originalités électriques/électroniques plus sombres de « Swimming Pool »....

Jean Daniel BURKHARDT

PS : Ne manquez pas le 23 décembre 2010 ma dernière émission « Jazzology » de l’année : J’y passerai des extraits de nouveautés Jazz sorties cette année. Des idées pour vos étrennes.

Hier soir, à La Cité De La Musique Et De La Danse, on pouvait entendre une soirée dédiée à la clarinette pour l’ouverture du Festival Jazzdor 2010.

Tout d’abord, le clarinettiste de Jazz Lyonnais Louis Sclavis se produisait en duo (où on l’a rarement entendu jusqu’ici) avec la pianiste Japonaise, mais installée à Berlin Aki Takasé, comme sur leur disque « Yokohama Suite » enregistré à l’occasion des 150 ans de cette ville jumelée avec Lyon. Sclavis a beaucoup de fans dans le monde, entre autres au Japon, dont un coiffeur...

[Côté Sclavis, on trouvait à la clarinette basse ou si bémol, la même maîtrise du souffle tant continu que rythmique, contemporain, classique, maîtrisé ou volubile, Jazz ou crié à la Dolphy, émouvant d’un bout à l’autre.

La pianiste Japonaise montra quant à elle combien elle pouvait varier l’attaque de ses doigts sur les touches, de la griffure aux effets piqués, du doigt, du coude, martelant parfois du pied, avec la violence d’un Cecil Taylor, la délicatesse liquide d’un Debussy, ou l’inquiétante étrangeté d’un Thélonious Monk.

Leur échange fut unique et passionnant, avec un humour un peu cabot quand Sclavis escamotait la partition sous les yeux de Takasé ou la remplaçant brusquement par le panneau « Interdiction de Photographier », le souffle de la clarinette semblant le corps/ les plumes / le chant / le ramage des oiseaux noirs et blancs que les doigts picorent du bec et inversement, jusqu’au jouet tant l’un et l’autre semblaient chercher en direction d’effets musicaux non semblables mais équivalents.|http://liveweb.arte.tv/de/video/Jazzdor__Aki_Takase_und_Louis_Sclavis/]

Quant au répertoire, on a pu entendre du Sclavis Africain (« Windhoek Suite » dédiée à la capitale de la Namibie), se souvenir de son premier voyage en Afrique avec Aldo Romano, Henri Texier et le photographe Guy Le Querrec pour «Carnet De Routes » avec le bruit des machines de l’avion de « Vol », auquel cette orchestration plus mélodique que rythmique donnait plus de corps, plus d’ampleur. Aki Takasé joua «Kawaraban/Schoëne Edelsteine » (dispute conjugale), et ils finirent par le très joli « Yokohama », prenant forme peu à peu du piano préparé ludique des balles de ping-pong rebondissant sur les cordes intérieures jusqu’à l’envoûtement sériel d’un Philippe Glass, poussé jusqu’au silence.

Pour ma part, qui ai déjà vu Sclavis quelquefois avec Lubat, son Quartet "Lost On The Way » à Jazzdor il y a deux ans, il ne m’a jamais paru meilleur dans un contexte acoustique et Jazz stricto sensu (ce que n’est pas cette formation un peu Jazz Rock).

Mon plus grand et irrémédiable regret concernant Louis Sclavis est que n’ayant découvert son premier disque « Clarinettes » où il les jouait toutes en re-recording sur des compositions passionnantes et poétiques, et « Les Violences de Rameau » pour le début du « Diable et son train » que dans les années 90s jouant menuet puis soudain furieusement Free, Rock, et presque Ska,, je ne l'ai donc jamais vu sur scène dans ces deux œuvres qui peut-être m’émeuvent plus encore que ses plus récentes, mais qu’il ne joue plus en concert ou pas chez nous. Une amie l’a vu dans « Clarinettes » et en parle encore comme de son plus beau souvenir de concert.

La seconde partie de soirée, avec le Double -Trio de Clarinettes : Trio de Clarinettes Français (Armand Angster : clarinette basse et contrebasse, Jean Marc Foltz clarinette basse et Sylvain Kazssp clarinette basse et si bémol) et Clarinet Trio Allemand de Berlin (Gebhard Ullman clarinette basse, Jürgen Kupke et Michael Thieke clarinettes si bémol) a un peu, même si ce n’était pas le but, répondu à mon fantasme par la force des compositions et l’éventail des effets produits sur toute la gamme des clarinettes.

Voir jouer de la clarinette contrebasse : grosse clarinette métallique sur trépied dont je crois n’avoir jamais vu jouer qu’Armand Angster, est toujours un évènement rare, même si elle est plutôt vouée aux effets rythmiques, vu son manque de maniabilité et sa puissance sonore. C’est, avec le saxophone contrebasse (dont Anthony Braxton est un des interprètes), un de ces instruments qui semblent exiger de l’instrumentiste de VENIR A EUX, presque D’EN FAIRE L’ESCALADE.

Les six instrumentistes n’ont pas manqué de virtuosité ni d’humour dans les titres (« Charleston But Yesterday » de Kassap pour « Charleville mais hier / Mézière » est digne de Rimbaud au retour d’Angleterre) ni d’énergie pour investir scène et coulisses de leurs déambulations bruitistes et musicales, s’appelant/se cherchant comme des loups, des oiseaux dans la nuit. La grande qualité de ce répertoire était peut-être de juxtaposer toujours la mélodie, le jeu « écrit » à celui, improvisé, des perturbateurs sonores, qui en paraissaient du coup, ainsi mis en relief, plus amusants qu’insupportables. Le bruit gagne à s’exprimer sur la toile de fond d’une musique plus maîtrisée.

Du lyrisme, de l’écoute et de la complicité, un beau jeu collectif à deux, par équipes ou entremêlées, de la ferveur, ce « Sound Of Surprise » par lequel Ellington décrivait le Jazz et un peu d’insolence souriante : une belle définition du Jazz en action.

Le Festival Jazzdor se poursuit jusqu’au 19 novembre, avec cet après-midi à la Médiathèque Centre une rencontre avec Jean Rochard à 14 h pour les 30 ans de son label NATO,

puis un Concert d’une des musiciens qu’il produit, François Corneloup au saxophone baryton solo à 15 h (GRATUIT),

puis à 17 h au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg la violoniste classique Maya Homburger, le contrebassiste britannique Barry Guy et le percussionniste suisse Lucas Niggli dans un répertoire Jazz et baroque, et ce soir à Pôle Sud le duo très lyrique d’Heinz Sauer au saxophone et Michael Wollny au piano, et, très attendu (en tous cas par moi), Christophe Marguet, l’un des meilleurs batteurs de Jazz mais pas que, ayant renouvelé le jeu par des apports Rock, Funk ou ethniques toujours avec musicalité et la CREATION de son nouveau Quintet avec Sébastien Texier (fils d’Henri) et son quartet « Résistance Poètique » avec qui il a gagné le Prix de l’Académie Charles Cros en 1996 et Jean-Charles Richard au second saxophone,

enfin demain dimanche à 17 h, à Pôle Sud le trio de Minnéapolis « Fat Kid Wadnesday » et, autre heureux évènement très attendu Hélène Labarrière, contrebassiste qu’on peut aimer ou pas en solo, duo free avec Derek Bailey, dans sa formation la plus Jazz Rock Funk Fusion Universelle : son Quartet « Les Temps changent » avec Corneloup aux contre-chants saxophonistes, Hasse Poulsen à la guitare acoustique et électrique, Christophe Marguet aux percussions.... Du bonheur en perspective, vous dis-je !

Jean Daniel BURKHARDT

Nouvelle sur Facebook, Olessia (compositrice et clavièriste de Steppah Huntah sous le pseudonyme d'Oless T et qui désormais propose ses productions sous on propre nom de Miss Oless ) m'y a fait partager sa lecture du "Cygne Noir" de Marc Edouard Nabe (fils du saxophoniste de Jazz Marcel Zanini, auteur de "Tu veux ou tu pas?") qui a aussi écrit aussi sur le Jazz. J'ai écrit ce texte au fur et a mesure de la vidéo en trois heures sur Facebook et le livre tel quel.

Déjà j'adôôôre la version du "God Bless The Child" par Dolphy que je connais de par une émission de...Alain Gerber (nos références se rencontrent!), ultra-lente comme s'il craignait d'arriver à la fin de la chanson pour rester en mode sous-marin/ bathyscaphe avec sa clari'basse en périscope. Je crois que c'est une autre version que celle de Stockholm Sessions, en live, peut-être en Illinois car il me semble que c'était une nouveauté et que c'était en 1999.

‎"Si Eric Dolphy n'était pas mort"...présupposé intéressant..."il serait toujours vivant". Être vivant après sa mort pour un musicien, peut-être est-ce dans l'influence qu'il a sur les autres qu'on le juge. Dans ce cas il est bien vivant si j'en crois un spécial Jazz Mag pour son anniversaire avec des hommages de Sclavis considèrant "Out To Lunch" comme une influence du Free Rock à la Soft Machine, Gustafsson appréciant le beat constant...

Peut-être eût-t-il disparu de la scène au moment du Jazz Rock des années 70s, été déclaré mort par le dictionnaire du Jazz lui-même comme Henry Grimes et serait-il revenu miraculeusement ressuscité vingt:trente ans après dans un autre millénaire comme Butch Warren, ancien contrebassiste de Monk sous un chapeau autre qu'un stetson Texan.

Pour les flûtes pygmées, peut-être aurait-il doublé Coltrane sur ce coup-là (la flûte étant quand-même UN DE SES instruments). Quant à Ornette, si leur disque ensemble "FREE JAZZ" m'apparaît comme trop bruitiste (si l'on dépasse le titre, la libération, l’impact historique), je préfère « Out To Lunch », le dernier disque Blue Note de Dolphy avant son départ pour l'Europe, plus mélodique et plus amusant, et en effet, Ornette ne serait pas le DERNIER héros du free vers lequel tous les regards se tournent, alors que Coltrane était plus spirituel et mystique, Albert Ayler plus fou mais d’une folie plus émouvante par ses excès...

"Traverser le feu du free sans se brûler les ailes": belle formule, et peut-être le secret de Dolphy: de se laisser porter, même dans la révolte, par une grâce mélodique, une émotion la sublimant, le guidant vers une autre innocence harmonique, universelle, compréhensible par tous, pour émouvoir chacun tel l’ "ultime chant du monde" rêvé par Kerouac prophétisant le Free après une Jam dans « Sur La Route »....Peut-être n’a-t-il pas la froideur obstinée d’un Ornette à prendre l’éternel contre-pied de la mélodie naturelle jusqu’à la fausseté, jusqu’au bruitisme comme un Peter Brötzmann.

La clarinette basse "et son col aberrant": belle évocation de ce mystère formel émouvant de cet instrument avant même le son, rien qu'à le voir!

Je dirais plus (sans avoir jamais vraiment trouvé les mots) un flamand mais noir par opposition au rose, un héron d’Afrique mazouté dans les cales par l’esclavage puis laqué d’ébène par la fierté Black Power, mai cygne est magnifique, peut-être plus proche de Dolphy que de l’instrument : cette altière beauté, ces yeux immenses d’enfant rêveur, sa presque sérénité bouddhiste, tellement loin de la révolte free quand on y pense...

Intéressante l'opposition du cygne blanc orgueilleux et lui noir, comme faisant de cette fierté altière commune conjurant le vilain petit canard en restant cygne mais noir une autre voie du free plus contemporaine. Je ne sais pas encore quel est le deuxième morceau en fond sonore (sans doute du Dolphy), mais pour moi il y a aussi du Bechet (celui des New Orleans Feetwarmers) dans sa puissance sonore.

Ah Mingus en protecteur du vilain petit canard, belle idée! Ce petit flûtiau joué/crié dans l’aigu (comme aujourd’hui encore certains flûtistes africains traditionnels) me rappelle ce que j’avais lu dans Jazz Mag sur son enfance, et son père lui laissant au fond du jardin sa cabane à outils pour s’exercer, devenant la « cabane aux oiseaux » attirés, imités, venant l’inspirer ou l’initiant puis repris, copiés, devenant lui-même. Certains peut-être qui sait venant d’Afrique lui apporter leurs arcanes tribales.

Belle image sur les nénuphars. Intéressant aussi le rapport de ses "compositions complexes" et des "complexés"! Parmi les reprises récentes de son répertoire, je me souviens avoir vu Oliver Lake en trio à¨Pôle Sud, mais sans la grâce, la sérénité, plus crié, plus piaffé, comme une parodie de Dolphy, et n’arrivant pas à cette limpidité mélodique qui était parfois la sienne même l’espace d’un instant, même au saxophone alto, n’arrivant pas à « Fire Waltz » de Mal Waldron avec Booker Little en embuscade!

"Tirer son épingle du jeu de tous les bordels": ah ça c'est beau, du Céline appliqué au Jazz par cette fulgurance de la beauté convulsive foudroyant d'un éclair les deux horizons du langage: sa châtière et classieuse origine dans l'épingle tirée sauvée in extrémis et pas même salie, plus brillante encore "de tous les bordels". Là j'avoue que Gerber est arrivé rarement à cette concentration provocatrice de différents niveaux de langage qui sied au Jazz ("musique qui sera toujours à la fois trop savante pour être populaire, et trop populaire pour être savante" a-t-il écrit dans "Fiesta in Blue" (je cite de mémoire)), et finalement ça va bien aussi à dolphy, qui aurait pu être aussi un fleuron de la musique contemporaine si on y eût accepté les noirs, et finalement, comme Mingus (cf "Moins qu'Un Chien) a rapporté à son peuple cette spéficité rare dans son jeu voué au Jazz le plus avant-gardiste tout en restant audible et mélodique contrairement souvent à Ornette!

A propos du "vacarme Coltranien", Coltrane disait dans une interview que s'il jouait de manière si violente, c'était pour "prendre toute la haine que le public avait en lui, et l'en libérer". Belle idée de catharsis Jazzistique, non. Et sur Dolphy et Coltrane, là aussi, quelque extraordinaire que soit son "Olé"'spagnol dans l'énergie, quand dolphy arrive avec sa flûte, c'est à l'Afrique qu'il ramène l'Espagne en nous faisant traverser le détroit de Gibraltar, puis il nous fait pleurer littéralement sur "Aïsha" (comme Trane sur "Naïma", mais pas sur CE disque-là!

"hurlant à sa propre mort" belle image. "aller voir en Enfer si on y est plus qu'au Paradis" magnifique. Et si Dolphy était finalement un tendre chez les durs, un doux et tendre au milieu des sauvages de sa génération, un Apollinien chez les Dionysiaques, qui s'y laissa aller aussi, mais sans se compromettre à pousser la révolte jusqu'au seul bruit dénué de sens, sans se départir de son exigence interne, de sa grâce, de sa spécificité, même dans Free Jazz, il a , trace SA voie unique, souffle son vent et son esprit, ne venant et nous portant là où aucun autre de ces voyageurs n'était allé ni ne savait le rejoindre, mais restant dans le gros de la troupe, de l'impro collective pour leur offrir cette grâce en cadeau.

"Sortir du morceau au moment où il entre dedans": belle formule, très profonde et qui nous mène ailleurs d'emblée. "Out There", Hors de Là" est le titre d'un de ses disques, d'ailleurs. Peut-être que est-ce à cet aspect de Dolphy que je suis le moins sensible, ou inconsciemment, et où il me dérange le plus.

"Dolphy déborde d'abord": belle formule mélodiquement et à aussi profonde: déborder le répertoire pour le faire entendre d'abord d'ailleurs, le brusquer, nous forcer à adopter un autre point de vue, celui de l'inouï, du jamais entendu.

Mais comme dit Nabe, son talent c'est de l'extérieur, de devenir d'emblée le classique, la nouvelle ligne parce qu'elle est la plus universelle peut-être, la plus évidente, reléguant les autres à l'hors de propos, à la périphérie, au bruitisme insensé, inutile. il trace sa voie, et autour de lui ils se perdent dans la jungle, on n'entend que lui! Parce que, à mon sens il est le plus essentiel, le plus universel, le plus simple ou le plus intéressant à entendre, suit sa propre ligne.

Ouah la photo est sublime (à 4:24) avec ce bonnet de marin ayant vogué d'Afrique en Inde (où il n'est jamais allé, je crois, mais dont j’ai lu qu’il avait écouté des enregistrements ethniques traditionnels) ethnique avant la mode, ou du Mississipi, bluesman routard, vagabond du rail et des mers à la Jack London, tranchant par sa dégaine avec son expression quand il joue de la flûte: à la fois altière et concentrée, sereine, complètement à ce qu'il fait, ce monde intérieur, à cette mer soufflée/criée dont la flûte perpendiculaire serait la mer et le niveau, l'équilibre et la balance, le tic tac inversé de l'horloge du soleil ou du clepsydre des ombres, la baguette magique ou le bâton de pluie devenu bâton du souffle par sa magie. Et aussi ce côté, tout de même vindicatif dans la sérénité qui se pose là: "Oui je joue comme personne, et alors?!", et on le suit parce qu'il sait ajouter cette grâce à la révolte qui le rend unique et séduisant à nos oreilles autant qu'à notre vue!

"La flûte comme un long clitoris d'argent" magnifique image, quoique inattendue, très sensuelle, et le musicien "qui veut l'entendre jouir par tous les trous plus ou moins bouchés"! Joli aussi par ces ruptures de langage prenant la voie d'un certain érotisme sensuel, puis s'en démarquant pour revenir au propos musical.

Finalement il a été en Afrique ou en Inde, je veux dire sa tête y a voyagé sous ce couvre-chef improbable de muslim illuminé avec sa clarinette basse dans cette végétation luxuriante!

Intéressant ces deux pôles extrêmes d'émotions de la clarinette basse entre "le hennissement d'un mustang" dans sa puissance, cabrant la musique, les sons, le répertoire, emportant tout dans son flux dans son flot, les basses pourrait-on dire et "le pépiement d'un oiseau sous une mère possessive", la fragilité pépiante, couinante, titillant l'oreille de ses cris animaux, hors du contexte, de la musique, presque du Jazz, parce que venant peut-être directement de la leçon des oiseaux dans la cabane?

Oh pour Nabe c'est DOLPHY qui inspirait les oiseaux, "leur soufflait de nouveaux airs". je n'y avais pas pensé mais finalement c'est super fort! en fait ils jouaient ENSEMBLE donc les avec les autres et vice versa en impro collective. ça devrait rendre même "Free Jazz" et digeste de l'entendre ainsi!

Pas St François d'Assises, certes, mais peut-être qui sait Djalal Od Din Rûmi, flûtiste et fondateur des derviches tourneurs de Konya, un jour rencontra un intégriste qui ne goûtait pas la musique, a qui il répondit: -"mais moi quand j'entends de la musique, j'entends gricer les portes du paradis!" -je n'aime pas le bruit des portes qui grincent! -C'EST QUE TOI TU ENTENDS LE BRUIT DES PORTES QUI SE FERMENT, MOI CELUI DES PORTES QUI S'OUVRENT" (humour Soufi Turc, mais Dolphy aimait un livre de Poésie Orientale "Le livre des oiseaux".

Intéressant l'image de la volaille décapitée qui court en zigzag comme son jeu comme le son, comme sang aussi j'imagine qui doit être propulsé partout, comme la mort de Bennie Moten et Eddie Lang par des médecins qui ratèrent l'amygdale pour en revenir au Jazz mais qui n'ont rien à voir avec Dolphy!

"Agonie strangulée de rage" magnifique! "signes avant-coureurs du chant du cygne noir" trop puissant, comme une prévisualisation prophétique de sa mort dans les excès de son jeu, ou l'idée qu'il ait poussé jusque là sa furie, sa passion, son intensité musicale! "Parkerien enragé", joli, je suis d'accord...et pour en rajouter une couche Ornette est un Parkerien faussé, défaussé, qui joue faux pour moi. Même si pour moi je ne ressens pas l'influence de Bird dans l'alto de Dolphy. ça me rappelle une nouvelle dans "Dernières Nouvelles Du Jazz"' de Jacques Aboucaya: un étudiant doit faire sa thèse sur le saxo alto de Johnny Hodges à Ornette Coleman. il achète un mainate sifflant du Jazz dans une animalerie. Il lui fait écouter Hodges, puis Bird, le mainate les sifflote gaiement. Arrive Eric Dolphy...Le mainate est perplexe, tout déprimé, il n'aime pas ça du tout, ne siffle plus, devient neurasthénique. Faut bien que le thèsard avance quand même. il met Ornette Coleman. Au bout d'un jour encore de grève de la faim, le mainate expire dans un dernier cri! Pas sympa pour Dolphy et Ornette, mais à part "Fire waltz" ce n'est pas l'altiste que je préfère chez lui!

Dolphy "recrache, expulse" Parker! Intéressant. Ou refuse de ne faire QUE LE RECRACHER, justement (comme une leçon, un cours si bien appris qu'à la fin on le vomit). "Dehors, Dieu!" excellent cet accès de mysticisme populaire révolté contre l'autorité divine d'une unique influence. Comme Lester Young encore inconnu quand j'y pense qui lamine Coleman Hawkins lors d'une Jam Session de 10 heures en 1932 au Cherry Blossom de Kansas City! Cette assumation de sa différence essentielle au Jazz, qui le fait avancer, dont même Parker était conscient jusqu'à la schizophrénie, quand (dans l"'Homme A L'Affût" de Julio Cortazar, il lui fait dire à Miles: "Cette note, je l'ai déjà jouée DEMAIN!"). aller toujours plus vite, multiplier les expériences Jazzistiques pour que jamais notre ombre ne nous rattrape! Finalement c'est ce que fait Sclavis qui a joué seul, avec des vieux héros du free, et se refait une jeunesse avec de jeunes musiciens Rock Jazz dans "Lost On The Way".

Le "sucre" pour "adoucir dans son corps l'acidité de sa musique" Merveilleux. Là j'avoue que Nabe enfonce Gerber par la profondeur de sa réflexion EN POESIE comme acte, sans presque avoir besoin d'expliquer, d'être didactique pour nous faire rentrer dans la tête, l'âme du musicien, mieux son Ârt. Il paraît aussi qu'il mettait du miel par grandes cueillers dans son thé, d'après Han Bennink et Misha Mengelberg qui ont débuté avec lui lors de sa "Last Date"!

"Camé au miel" excellent. peut-être s'inspirait-il pour son art du bordonnement incessant des butineuses abeilles pour voler plus loin, plus haut, jouer plus AILLEURS! BZZZZZZZZ! J'ai une amie qui parlait pour les ballades de Lester de son... côté "abeille de ruche", de sucre, de mélodies sucrées... Dolphy ce serait le contraire d'après Nabe. Il met le miel/le sucre dans son corpos mais pas dans sa musique (quoique dans "God Bless The Child", la danse de l'abeille immobile qui fiche plus encore le bourdon que cette torch song de Billie Holiday en la rallongeant toujours et encore par un mouvement perpétuel presque à la Philippe Glass.

Bon choix de rythme de Mingus entêtant, frappé, au comique ambulatoire et marche rageuse, martiale que cette Epistrophy hypertrophiée Monk'gusienne qui part imperceptiblement sur le piano puis soudain avec Dolphy force la marche comme si le gouverneur Faubus des Fables lui-même était en face, et rythmiquement bien posé avec le rythme du texte, et ta voix avec ce soupçon de mélodie, d’accent russe. c'est le Concert de Paris en 64? En Mai 68 Mingus à Paris avait dit sur une radio que ses frères noirs afro-américains aussi avaient besoin d'armes comme les étudiants français! Magnifique la "dernière cueillere d'or liquide!"

Et cette version d'Epistrophy que Mingus n'eût pas osé dans sa violence, son côté torrentiel de Dolphy, loin de la solitaire bizarrerie fût-elle géniale de Thelonious Sphère sur sa planète isolée, solitaire. Je crois que c'est Bud Powell au piano sur certains titres? comme ils la retournent et la renforcent, cette lunaire Epistrophy Monkienne sur la basse Mingusienne pré groove, et Dolphy poussant jusqu'au CRî, au SANGLOT LOINTAIN (Far Cry), autre titre de "Out There".

Monk avait dit à Lacy pour savoir jouer sa musique "make the drummer sound good": fais qu'le batteur sonne bien" ou "fais bien sonner l'batteur", ce qui je pense n'est musicalement pas forcémebnt la même chose! Grâce à Dolphy cela devint aussi une histoire de clarinette criée!

Jean Daniel BURKHARDT

Comme l’an passé, je suis allé le week-end rendre visite à mon frère Guillaume, écouter entre autres la Fanfare Ciocarlia dans sa reprise du Born To Be Wild de Steppenwolf pour le film Easy Rider (rediffusé la semaine dernière sur Arte) de Dennis Hopper décédé cette année pendant le festival de Cannes...

Samedi après-midi, nous sommes allés au Parc Floral du Château de Vincennes au Paris Jazz Festival où se produisaient « The Syndicate », dernier groupe du claviériste pionnier Joe Zawinul (7 juillet 1932-11 septembre 2007), alliant la force de la fusion électrisante Jazz Fusion Rock/Funk déjà expérimentée avec Miles Davis puis avec Weather Report, ouverte avec le Joe Zawinul Syndicate (où l’on retrouvait le percussionniste de Weather Report Manolo Badrena) aux rythmes du monde dont, étant un gipsy autrichien à l’origine, il se considérait comme un citoyen inspiré. J’ai dû le voir avec cette dernière formation au Strasbourg Jazz Festival vers 2007.

Si seul le batteur/leader, Paco Sery a véritablement joué avec Zawinul dans The Syndicate, également à la sanza, les autres musiciens, issus de plusieurs groupes de Jazz français ou brésiliens, montraient une belle diversité culturelle : Thierry Eliez (clavier d’Olivier Temine, responsable de la sortie de cage Jazz Rock de Sophie Alour sur "Uncaged") aux claviers fous produisant comme Zawinul des effets acoustiques forts par des moyens électriques, du lyrisme spatial aux cris mutants, qu’une belle complicité alliait au saxophoniste Emile Parisien (meilleur car plus puissant et moins bruitiste porté par cette fusion qu’avec son propre quartet trop Contempo-Free à mon goût), comme Zawinul à Wayne Shorter l’un prolongeant/soulignant/reprenant l’un l’autre et se mêlant à s’y méprendre, Aziz Sahmaoui l’ancien chanteur de l’Orchestre National de Barbés secouant des shakers à graines et jouant du guembri et les brésiliens Jorge Bezera aux percussions frappées, chant candomblé à Exu et Alegre Correa la guitare , ainsi que l’africain Alioune Wade à la basse digne de Jaco Pastorius comme Richard Bona.

Tout cela fait voyager le public dans des transes (auxquelles fut sensible mon voisin, un natif de l’Orient aux danses/transes immobiles) Africaines/Brésiliennes/Gnawa/urbaines et finalement même Caribéennes avec un final Zouk.

Ils incarnent bien la suite universelle avec l’énergie de leur jeunesse de l’entreprise généreuse du fondateur du groupe, tout en s’en libérant finalement par la composition d’un répertoire propre. Et avec un tel enthousiasme, a dit Paco Sery, « On est là pour trente ans ».

C’est tout le mal que nous leur/nous souhaitons.

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir, China Moses (fille de Dee Dee Bridgewater et du réalisateur Gilbert Moses) et sa mère rendaient hommage à deux grandes chanteuses de Jazz : Dinah Washington pour China (avec Raphaël Lemonnier comme sur son album This Ones’For Dinah) et Billie Holiday pour Dee Dee (qui lui a dédié son dernier disque).

Avant l’entrée en scène de China Moses, un mix vocal nous met dans l’ambiance avec une présentation d’Art Blakey et ses Jazz Messengers Live at Birdland, des extraits de Billie Holiday ou de l’Ed Sullivan Show.

Entre Raphaël Lemonnier, costume et chemise verte, le bassiste et le batteur, puis China Moses, vêtue d’une robe noire sublime, qui présente Dinah Washington avec un talent certain pour les transitions racontant la vie de Dinah Washington d’un point de vue féministe, humoristque et émouvant : ses 7 ou 8 maris et amants qu’elle appelait ses « Fine Fine Daddy », ses visons et son courage d’être une femme noire et de caractère.

Sa version de « Mad About the Boy » est servie comme l’original par un magnifique accompagnement bluesy du trio très lent, entêtant et obsessionnel, insidieusement envoûtant sur lequel elle pose sa voix acidulée un peu comme celle de Dinah.

Comme chez Dinah Washington, des chansons écrites par et pour des hommes comme « Is You Is Or Is You ain’t My Baby », Rythm’N’Blues de Louis Jordan, prennent une toute autre portée par des femmes, modernisée par l’introduction de China où Dinah attend qu’on la rappelle, puis prend son contrebassiste des gens cooool claquant des doigts avec elle pour aller poser la question directement à l’intéressé!

China connaît aussi des anecdotes savoureuses, comme quand Dinah, Queen Of The Blues, déclara en Angleterre : « Il n’y a qu’un terre et qu’un ciel, alors votre reine est une imposteur», ou quand, se trompant de bus, elle entra, au lieu de celui de ses musiciens, dans celui d’un asile psychiatrique et, questionnée sur son identité, elle déclara fièrement « Je suis la Reine ! ».

Elle chanta aussi une des rares chansons Jazz tube des karaokés : « Cry Me a River », convaincue par l’adjonction de cuivres et l’arrangement très Soul de la basse, la batterie presque drum’n’bass et le piano presque immobile, suivi des coulisses puis à la scène par l’excellent saxophoniste Daniel Huck, qui joua très bien son rôle de saxophoniste Rythm’N’Blues Lesterien derrière elle, Parkerien voire scatteur Gillespien à la « Ooo-Bop-Sh Bam ».

China Moses a enfin composé avec l’orchestre « Dinah’s Blues »pour Dinah Washington.

Elle finit par la version de Dinah Washington de « What A Difference A Day Made » dont elle aime le côté pop avec un superbe soutien de Daniel Huck très Byasien/Lesterien, sensuel.

Arrive sa mère Dee Dee Bridgewater, la plus populaire en France des chanteuses afro-américaines. Dee Dee Bridgewater a joué le rôle de Billie Holiday en 1986 jusqu’ à être comme possédée par sa vie tragique, puis après bien d’autres aventures et disques y revient en 2010 après un album Africain, Red Earth (dont elle a gardé le pianiste Edsel Gomez) et s’être (à nouveau) rasé le crâne avec son nouvel album « To Eleanora Fagan With Love From Dee Dee Bridgewater».

Le miracle est d’avoir su dépasser l’histoire tragique et très lourde de Billie Holiday pour puiser dans sa musique cette joie qui n’apparaît qu’à ceux qui la connaissent vraiment bien, de porter l’engagement de cette femme comme une leçon aux générations actuelles et futures.

On peut dire qu’elle a réussi à faire sien le répertoire de billie Holiday, à le posséder après avoir été possédé par lui, contrairement à Elizabeth Kontomanou sur son album « Midnight Sun » dont on ne reconnaissait que le titre éponyme. Cette ligne étroite entre liberté et respect d’une tradition ouvre, quand on arrive à respecter les deux, de nouvelles perspectives au Jazz tout en faisant perdurer sa culture de manière vivante.

Edsel Gomez est au piano, Lewis Nash, qui l’a déjà accompagnée dans un projet sur Max Roach est à la batterie comme sur l’album, James Carter remplacé par Craig Handy, comme lui capable de jouer dans tous les styles du Jazz du New Orleans au Gospel, à Kansas City, à Lester Young en ballade derrière Dee Dee, au Bop et Hard Bop Funky, au Rythm’N’Blues voire de finir ses phrases en Free criant.

Dès «Lady Sings The Blues », Edsel Gomez et Lewis Nash infusent à la musique de Billie Holiday les rythmes dansants de la terre rouge de l’Afrique et la puissance Rythm’N’Blues tractile, au rugissement de lionne, puis le scat de Dee Dee un point de vue plus positif, mettant en relief, plus que le fait de chanter le blues, le « Lady sings the blues no more » final porteur d’espoir, son dépassement.

Consciente aussi des difficultés sentimentales, de la tromperie et de l’abandon (des hommes comme des femmes d’ailleurs), Don’t Explain, écrite quand son mari rentra avec du rouge à lèvres sur sa chemise, est le prétexte à une introduction comique.

Fine & Mellow, portrait par Billie d’un maquereau ou gangster aux pantalons rayés, Blues sur lequel elle retrouva Lester Young une dernière fois est plus « sale », funky, porté par le groove irrésistible de la contrebasse et les riffs rythm’n’blues du saxophone, plus proche de la révolte et du cri contre cet homme que de l’acceptation passive.

Même le constat désespéré de «You’ve Changed » () sur le dernier album de Billie Holiday où son filet de voix, son souffle restant pour ce chant de cygne ne semblait plus supporter que l’écrin de satin tissé par des cordes de Ray Ellis, quelques cordes et les chorus répétés d’un funèbre trombone soliste, ne semble plus si triste quand Dee Dee Bridgewater le chante.

Même la scie «Your Mother’s Son In Law » datant des débuts de Billie Holiday avec Benny Goodman qui a un peu vieilli et était très commerciale devient une déclaration badine en duo avec son contrebassiste pour qu’il devienne « le beau-fils de sa mère » moins futile que l’originale.

Enfin, « God Bless The Child », déclaration d’indépendance financière écrite lorsque la mère de Billie lui demandait sans cesse de l’argent pour son restaurant de poulet frit « Chez Mama Holiday », devient avec Dee Dee Bridgewater un gospel funky où Craig Handy rappelle la magnifique version d’Eric Dolphy à la clarinette basse.

Dee Dee finit avec China en bis () sur « Every Day I Got The Blues » , du répertoire de Count Basie, que chantait Joe Williams bien après que Billie eût quitté l’orchestre.

Merci à ces deux grandes chanteuses de Jazz pour avoir rendu plus présentes, libres et actuelles ces deux grandes chanteuses de Jazz qu’étaient Dinah Washington et Billie Holiday.

Jean Daniel BURKHARDT

Autre musiciens éduqués, eux, de première main par des héros du Jazz, ce qui se fait rare : le trio de Pierre Christophe, élève du pianiste Jaki Byard () (capable de jouer du ragtime au stride, au swing de Fats Waller et Duke Ellington, Bop avec Charlie Parker ou comme Monk et Bud Powell, accompagnateur Hard Bop de Charles Mingus, Eric Dolphy, Rahsan Roland Kirk ou Sam Rivers, et jusqu’au Free Jazz, mais assassiné ou suicidé tragiquement en 1999 ), Mourad Benhamou, batteur qui interviewa son idole Walter Perkins, et le bassiste non amplifié Raphaël Devert, émule de Joe Tucker, joueront avec le trompettiste et chanteur Ronald Baker et le tromboniste Jerry Edwards en première partie d’Al Jarreau () (chanteur Jazz, Soul, R’N’B et Pop ayant remporté un grammy dans chaque catégorie et décennie depuis les années 70s !) au Strasbourg Jazz Festival, 20 h au Palais Des Congrès!