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Lolomis est un groupe de Musique Balkanique la renouvelant jusqu’à une modernité Electro Bio sans adjuvants ou Rock par des arrangements très modernes composé de Romane Claudel-Ferragui au chant entre fragilité et puissance, le flûtiste Stelios Lazarou (Papyroz’n, Gudrun), la harpiste et violoniste Elodie Messmer (Lacro, Los Biganos, Tourdion) qui ont commencé ensemble dans Les Payroz’N et le percussionniste Louis Delignon (atrium, MoussaKintet).

Leur nom vient d’un anagramme de leurs noms et prénoms pour leur premier EP ayant donné « Sur La Route de Lolomis », Lolomis étant le seul élément non géographique et fictif, contrairement à ce qu’on pourrait croire, et ils viennent de sortir « Balkan Pulse» chez Playasound!

L’album s’ouvre avec la version très remaniée du chant Rom des 60ies « Romano Horo» (dont on peut entendre plus tard une version plus mélancolique et proche du thème) dont ils ont gardé le texte mais réarrangé la musique et le rythme (un rythme de harpe rappelant un peu « Ma Petite Entreprise » de Bashung puis « Tell Me Why » de Bronski Beat version trad, sans qu’ils y aient pensé). La voix commence angèlique puis énorme et, tout en respectant le texte, part en ragga trad sur fond de traits de flûtes. Il n’y aucun traitement électronique, quoique Mondomix s’y soit trompé!

Exception à la tradition Balkanique, « Käppee » est un chant de sorcières Norvégien en finnois dédié à la fabrication des philtres, et Romane y joue très bien la sorcière sur une flûte et une harpe dépaysant ce nord de l’Europe par des rythmes andins.

Kale Jaka Sima est introduite par un instrumental où flûte et harpe évoquent à la fois le Chaos et la création du premier matin du monde entre oiseaux et branches. Le thème lui-même, ramené de Norvège par un ami, bénéficie de la collaboration d’un ami canadien de Bruxelles David Koczij de The Summer Rebellion en mode Ragga Beat Box diphonique énorme!

Traditionnel plus connu du public des Papyroz’N, Niska Banja est un chant à boire rom et serbe évoquant la ville de Nis et ses bains, souvent joué par Lolomis sur les Quais de la Petite France, peut-être tellement joué et rejoué qu’ils n’ont pu qu’en faire une version très loin de l’original rythmiquement en invitant Arthur Bacon, l’un des meilleurs accordéoniste de style tzigane de Strasbourg vivant maintenant à Bruxelles comme Stellios Lazarou et Elodie Messmer.

On peut reprendre son souffle sur Anadoika, chant Bosniaque d’amour malheureux avant de repartir de plus belle sur Naci El Alamo, chant d’exil séfarade repris en mode gitan dans Vengo de Tony Gatlif puis Yasmin Levy, ici modernisée dans une version électro surprenante!

C’est avec une énergie Rock que Lolomis a choisi de déstructurer le chant grec à 7 temps To Diko Mou Paploma.

« La Machine » est la seule qu’on trouvera sur l’album de Lolomis, d’après un chant Calendaire Ukrainien « Verbovaia Dochtektchka » aux paroles très proches de la nature, auquel Lolomis a ajouté une touche urbaine par des moyens naturels (un foulard glissé entre les cordes de la harpe pour en étouffer le son)! La démarche est caractéristique de celle du groupe!

Enfin, Tutti Frutti est un chant rom d’amour et d’ivresse popularisé dans le film de Gadjo Dilo de Tony Gatlif, mais là encore Lolomis ont su trouver d’autres voies!

Lolomis fait penser aux fusions de la compilation Planet Soup mondiale mais plus moderne, et ne s’interdisent rien pour retisser et revitaliser ce fil rouge tissé entre un répertoire traditionnel et sa modernisation bio électrisante! Ne les ratez pas s’ils passent près de chez vous !

Jean Daniel BURKHARDT

Samuel Andreyev est un compositeur canadien vivant actuellement (2011) à Paris. Il est né en 1981, à Kincardine dans l'Ontario. Il fait de la musique contemporaine au moyen de claviers électroniques ! À l'âge de cinq ans, il a pris ses premiers cours de violon puis, en 1992, est entré au Conservatoire royal de musique de Toronto où il a étudié le violoncelle, la composition et le hautbois. De 2003 à 2005, au Conservatoire de Sevran (France), il a étudié la composition avec Allain Gaussin et Frank Bedrossian, l'analyse avec Vincent Decleire et le hautbois avec Pierre-Christophe Brilloit. En 2006, il a été reçu à l'unanimité dans la classe de composition de Frédéric Durieux du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP) où il obtient, en 2011, un master de composition, ainsi qu'un prix d'analyse dans la classe de Claude Ledoux. Il a suivi le Cursus de l'IRCAM de 2011-2012. Début 2013 il sort après de nombreux autres albums de chansons The Tubular West, mélange de pop, de musique baroque et contemporaine !

L’album débute par un choral Purcellien à lui tout seul de Shoebox Shuffle, thème qui reviendra comme fil rouge instrumental sur tout l’album.

Pluto’s Matches commence gaiement d’une voix féminine sur les claviers et l’heckelphone puis s’envole psychédélique comme dans une BO imaginaire de David Lynch ou le dernier Beatles ( le bouleversant chant du cygne medley «You Never Give Me Your Money » d’Abbey Road car on pense çà toutes ces chansons qu’ils auraient pu faire encore) et redescend sur terre sur la flûte (Ayako Okubo) changeant la texture sonore rappelant « A Day in TheLife » (http://www.youtube.com/watch?v=CoAqElgR8Do&hd=1) de Sergeant Pepper des Beatles qui inaugurait les bruitages électroniques. La musique de Samuel Andreyev entre rythmique forte de la pop et nébulosité du rêve!

Autre thème qui revient «Song Take Splitting" sur des flûtes et percussions contemporaines, comme des petits interludes de concept album entre les chansons!

« Mind The Bend” est plus proche de Revolver des Beatles commence par un piano martelant à la « I want to tell you » puis s’endort en « I’m only sleeping » (http://www.youtube.com/watch?v=1MMDugt8ZRk&hd=1) , continue sur une flûte accorte et se termine en bruitisme à la rappelant «A Day in TheLife ».

Après un second Shoebox shuffle baroque arrive le titre éponyme The Tubular West qui part en mélodie baroque à la Beach Boys (Pet Sounds) sur une flûte baroque puis des glouglouslectros de Léo Maurel à la boîte à bébés bourdons pleurant dans le triporteur!

Half Dream semble s’éveiller sur des gammes d’un rêve de Chine dans l’intro puis le clavier double la voix comme le sitar indien de George Harrison et la mélodie se déroule sur la flûte et des claviers baroques.

Songs Take Splitting 2 partent avec le faune de Debussy en violon à roues (Léo Maurel) passer l’après midi en Espagne sur des castagnettes !

« Over By The Mantle » retrouve son manteau de morgue puis s’en va un rien ailleurs dans le tempo lent baroquisant mais se réveille soudain d’un rythme martial pour le final !

La Shoebox Shuffle s’essouffle ethniquement en C.

« Salesmen Without Pictures » réserve encore de belles surprises d’un brouillard bruitiste aux Good Vibrations des Beach Boys, mais avec des dissonances fertiles puis change de rythme et prend le chemin grinçant de l’horrificque Maison Borniol de Thiefaine puis retrouve le classique contemporain et quand on n’en attend plus rien repart très vite en Rock Pop crié et très drôle. Samuel Andreyev est passé maître dans l’art du collage en live!

Winter In Arhus enchaîne sur un amusant Cake-walk, Charleston ou Ragtime de fanfare baroquisé rappelant le gai travail de modernisation du répertoire de Tin Pan Alley Uri Caine avec The Sidewalks of New York.

Bendings semble un lieder pop sorti des creux du piano de « La Jeune Fille Et La Mort » de Schubert !

D’ailleurs c’est presque en pizzicato rythmique slap tongue du Shuffle que se rouvre la Shoebox D.

Autre chausse trappe à surprises, Onwards And Upwards semble en effet descendre dans le bathyscaphe de Robert Wyatt ou tomber de très loin avec le Space Oddity » () de David Bowie puis reprend brusquement sa cavalcade en mode Cabaret et finit en mode Echoes de Pink Floyd.

Songs Take Splitting 3 profite de ce côté à la fois marche martiale de fanfare dans le rythme et rêveur dans la mélodie pour créer un climat étrange !

« Rose Window » reprend Pink Floyd à « Us & Them” mais avec le côté lutin diabolique de Syd Barrett dans “Arnold Layne” (), baroquisé par un instrumentarium contemporain !

Morning Flexion termine sur un mode mélancolique et gai mais laisse comme en suspens cet album déjà encensé par les critiques anglo-saxons mais encore méconnu en France!

Vraiment un magnifique album de pop contemporaine que vous pourrez entendre ce soir à 21 h dans Jazzology sur Radio judaica

JEAN DANIEL BURKHARDT

Après des débuts pour certains à bonne école au sein du Big Band De Bischeim, un premier concert au dernier Festival Babel, un premier album avec un featuring de Gaston, un second « Crame la Mèche » en mode bonnets rouges allumés où il prenait de l’ampleur et des centaines de concerts en salle et en plein air ici et ailleurs, voilà sorti le 4 mars le troisième album de la Fanfare en Pètard : Le Monde Est Curieux!

Dès Shabby, on retrouve après un vrombissement introductif la puissance sonore et la cohésion de la Fanfare En Pètard, peut-être un peu plus Afro Beat ou Ethiopique!

«Curieux » est le monde éponyme qui veut changer et ne le fait pas finalement. Gil Scott Héron le disait déjà « Revolution Won’t Be Televised » . Bref c’est le retour de Gaston et de son flow emportant le monde curieux en bulles avides pas vides devant le monde impavide sur fond de Skatalites propulsés en orbite de la Fanfare !

«Noir Comme L’Or » soutient Gaston d’une bonne fanfare et le clip est bien surexcité dans un bureau de traders qu’ils dévastent gaiement! "Noir comme l'or" est leur avenir car on a coupé la lumière par ploutocratie comme la Grèce bientôt. Mais comme L’Or car ça brille encore dans le Noir ! Et les cuivres free brillent aussi, la rythmique fait son DJ drum’n’balkanique, mineurs creusant les influences et Passe Passe le Temps!

« Morphine » dénonce et détourne/récupère la drogue de Benway dans Le Festin Nu de Burroughs. Si c’est d’eux qu’on devient accro ce sera sans modération ni danger et Evasion garantie sur fond de FEP en Fête ! L’originalité dans les textes est de ne pas se contenter de dénoncer ce qui le mérite, mais de se replacer avec humour comme palliatif et illusion positive aux frustrations qu’il engendre!

Après ce début en fanfare, on se calme, « Interloqués » sur un bon fond sonore de cuivre, médite sur le monde et le ghetto sur un bon saxophone à la Rumeur ! Interloqués, lockés aussi par les murs, loqués par les « impositions sur ton cul de pauvre » et autres « muselières ». Magnifique texte et mélodie!

Afrovalse de Samuel Klein laisse le beau rôle au saxophone le temps d’une instru cool sur de bons fonds sonores, quoiqu’on croirait que ça va partir en Drum’N’Bass et puis finalement non!

Après un larsen supersonique au décollage ça repart en « Puppets », repète avec P Barbièri (qui avait déjà cramé une mèche avec eux sur le précédent), et là ça hurle carrément « Rock Machine On stage » Métal MASTER MASTER of Puppets ou Puppet Mastaz sur des cuivres assourdissants!

Mais l’« Ermite » se calme en parano autarcique, Tchernolbilé de sa bile noire, irradié rouge, transgéniqué, facebooké, mutant muté volontaire mais « reste enfant » sur de beaux cuivres en fond. Magnifiques texte et cuivres!

« Tempo Di Reggae » est un bon dub intru presque trop court tant il est bon.

« Elle »... enfin une fille ? Secrétaire Médicale ? Ah non Drame Domestique du couple ! où elle parle tout le temps. Bons cuivres frees sur la batterie lectro ! Inconstance des sentiments ? Et si elle n’était que dans sa tête comme dans un Fight Club où on accepterait les filles ?

« Skolios » sur fond de Mission Impossible finit l’album par une bonne instru à rythmique twist 60ies bien funky polar Blaxploitation avec bon solo de saxo. Skolios hommage « tortueux » à la Grèce ? Ou scholastique que les cuivres astiquent ? Ou Scholiose de la rythmique pour que les danseurs s’excitent, s’esquintent, s’activent ?

Bref, mieux propulsés que le premier album par un dub jungle plus puissant, à explosion moins immédiate que le précédent Crame la Mèche », « Le Monde Est Curieux » nous rend Curieux d’un monde en mode fanfare entre crêtes d’énergie et de révolte et lacs instrus méditatifs où se repose entre deux.

La cohésion, des cuivres apparaît mieux derrière un Gaston moins omniprésent mais toujours aussi perspicace dans ses attaques et son talent pour s’échapper de ce qu’il dénonce.

Est-ce le monde qui est curieux pour la fanfare, donc la fanfare qui serait curieuse du monde à mesure qu’elle le parcourt ? Ou le monde de plus en plus curieux DE la fanfare à mesure qu’elle y part?

La curiosité est un beau défaut contrairement à ce qu’on dit.

Le monde, la curiosité et la fanfare y gagnent et cet album ravira les curieux de fanfare et de Hip Hop Ragga Jungle de par le monde !

Jean Daniel BURKHARDT

Odonata (du nom latin générique des libellules, « odonates ») est un talentueux et original trio « Chanson Rock Electro » Funky Wave strasbourgeois composé de Céline Righi (qui écrit les textes après avoir beaucoup écrit pour d’autres et chante), Demoiselle libellule longiligne et émouvante, Christophe Piquet (basse funky, basse piccolo et samplers) et Jérémy Steibel (batterie percussions) qui avaient déjà collaboré dans « Question D’Humeur ».

On a déjà pu les voir et les entendre à la dernière fête de la musique avec un petit reportage réalisé par France 3 Alsace qui commence à 4'55, mais c’est étrange, le reportage portait aussi sur la maison des adolescents de Strasbourg, et les textes de Céline Righi ont un pouvoir thérapeutique contre les maux qu’impose la société moderne et le milieu urbain aux humaines, sa voix est consolatrice et leur musique, si elle est un peu sombre, est rehaussée par une basse festive funky ou une énergie Rock!

Pour en revenir à la Musique d’Odonata, ils ont déjà sorti un EP « De Cimes En Abîmes » qui nous occupe aujourd’hui.

Première plongée, premier voyage éponymes en montagnes russes entre ups and downs pour devenir SOI, « De Cimes En Abîmes » où la voix apaisée et le souffle, le texte dont on perçoit surtout la musicalité et quelques mots heureux ou nostalgiques, sont servis par un écrin de pulsations drum’n’bass et claviers (en fait des samplers en écho) trip hop ambient propices à la rêverie et une bonne basse évoluant dub jusqu’à un son de guitares à la Edgar Froese métal plus aigre jusqu’à un climax Rock. Une sorte d’Attack moins Massive car plus naturelle comme trip-hop, tripotte-hop minimaliste.

« Ô Douleur » utilise en introduction d’un poème de Baudelaire « le mystique aliment » et « l’ennemi », mais là encore la basse est bien funky et l’étouffement comme d’une tranchée montre que notre univers urbain dépasse les pires de ses spleens, mais la voix et le texte par leur nostalgie d’un ciel plus spirituel montre le chemin d’une libération possible. Les effets et la voix apaisent autant qu’ils sont un baume pacifiant pour l’âme blessée.

« Adieu Cantiques » est une digression sur « Bang Bang » de Nancy Sinatra en « shot me down » très Joy Division avec là encore des riffs compressés du « Voodoo Chile » d’Hendrix et les échos de la basse, formant une l'architecture complice autour de la voix cathédrale!

« A L’Ouest » est un passage de turbulences urbaines plus rythmé par dérèglement de boussole sur les samples (puisque ni guitare ni clavier, fou on jurerait qu’ils sont plus grâce aux effets, à un son live même si modifié!) et une cohésion bien Funky à 2 minutes 44 !

« Par le chas de l'aiguille » y passe un peu à la Taxi Girl mais le texte est meilleur entre le côté mélancolique de la new wave (souvent trop glauque) mais DANS une rythmique Funk ou Rock, vitale avec une belle cohésion entre samples asiatiques et voix, nostalgie et changement. Les Odonates ont trouvé la voie du milieu entre les paradoxes musicaux.

L’EP termine sa quête par le minimaliste odonatique celtique « Cherche / Trouve » electro à la DJ Cam (Masterisé by Thorsten Glatte) et Funky, pierre philosophale et voie à suivre dans les bois des fourmillements percussifs à la légèreté de l’envol final!

Depuis les Odonates ont fait une rechute asymétrique entre Rock, Funk et rythmiques orientales pour le clip de « Bancale »!

Mais malgré cette perte volontaire des repères et de la stabilité bipède, l’Odonate à trois fois deux pattes vole toujours avec un équilibre personnel !

Jean Daniel BURKHARDT

Chanteur Afro américain, né en 1949 après des études de Lettres à l’Université et avoir un peu enseigné, Gil Scott Heron avait trouvé plus utile ou plus gratifiant de devenir un poète et chanteur de Soul pour servir la cause des ghettos noirs.et décédé l’an dernier le 27 avril.

Après Cesaria Evora et Etta James,

Kayo L’Albatros lui rend hommage avec une soirée la semaine dernière (dont son premier set Soul de Gil Scott Heron fut à mon sens le meilleur (mais j’aime la Soul, même pour la danser seul et ébahi, imaginant que cette Âme noire et le sentiment qu’elle m’inspire est une femme universelle).

On a pu y entendre que Gil Scott Heron était un bon chanteur de Soul Music, quoique non doté d’une voix extraordinaire comme un un Otis Redding ou un Marvin Gaye, il choisit la justesse d’un chant simple et efficace portant ses mots de poète. Je ne connaissais pas notamment «Lady Day & John Coltrane », hommage à deux grands jazzmen annonçait un peu Jamiroquai qui reprit « The Bottle", avant et mieux! Peut-être en ce sens que l’âme de la Soul, le chant porte avec mélodicité et talent le flot des mots en en faisant de la musique.

L’album de Kayo est fait de samples de Gil Scott Heron. Dès « The Revolution Was Not Televised” (j’avoue ne connaître de Gil Scott Heron que ce « Revolution Will Not Be Televised», proche du slam et scandé d’abord enregistré sur fond de percussions sur son premier album un peu à la manière des Last Poets, puis plus funky par un « Full Band » et encore par le remix de Smoove « The Revolution WILL BE Televised » et « The Bottle » que passe souvent Sir Jarvis). Si c’est Gil Scott Heron et Kayo qui nous accueillent en échos, c’est un album instrumental de beats et de claviers soft (Kayo joue du MPC comme d’un clavier) à peine émaillé de courtes interventions vocales. C’est très agréable, ça coule et fond.

The Beginning (The First Minutes Of a New Day) est plus basé sur les voix (mais pas celle de Gil Scott Heron, au premier plan de la version originale) ré harmonisées sur le clavier, autour d’une flûte, avec le côté asiatique d’Onra dont il passa « The Anthem » (mélange de beats et de musique Vietnamienne) à la fin de son premier set. Comme dans le dub, Kayo apporte comme beatmaker à la musique de Gil Scott Heron ce qui ne s’y trouvait pas.

« A Sign Of The Ages » de Gil Scott Heron montrait la mélancolie du chanteur Soul. Kayo ne prend que la première phrase titre et l’échotise le bégaie sur un piano et une basse, des beats et un orgue sur fon de « Wake up Wake Wake up » de Marvin Gaye dans «Sexual Healing ».

Peace Go With You Brother (Part 1) (), extrait de l’album « Winter In America » révèle la belle voix de basse à la Barry White en intro (reprise par Kayo) qui ensuite prolonge les claviers flottants, planants qui y prennent la première place jusqu’à la phrase la phrase « Peace Go With You Brother ». La seconde partie se concentre sur la voix comme des chœurs à elles toute seule et les claviers s’enflent comme des cordes.

Pour « Song For Bobby Smith », Kayo se détache du vocal dont il ne garde que le début à la Barry White et quelques phrases puis prolonge, exhume le clavier augmenté d’un rythme brazil obsédant sur un bon beat.

D’« A Toast For The People” (de l’album « From South Africa To South Carolina », Kayo n’a gardé que quelques vocalises en écho, quelques écho de flûtes pour l’ethnique, transposées sur des beats compressé plus drum’n’bass à la Moonstarrr et ajouté les « Everybody Clap Your Hands » du Hip Hop, puis en final reprend les claviers. Mais en enlevant la voix, il prend quelques éléments choisis, rendant un hommage personnel au musicien Gil Scott Heron, au mélodiste plus qu’au poète et les emmène ailleurs, où Gil Scott Heron n’était pas allé.

A partir de « The Prisoner » (extrait de « Pieces Of A Man »), il ne garde de la voix qu’un clameur, que le piano de base et le trouble, ne garde l’envoie en orbite du thème, en satellite, dans les étoiles sur des rayons lasers ajoutés. Version ou échappatoire interstellaire.

«Combinationshttp://www.youtube.com/watch?v=5lPs67Q4EBM » (de l’album «Real Eyes ») est porté ailleurs par d’autres voix, d’autres choristes absentes de l’original, un clavier revisité. En écoutant les deux en même temps superposé, la version de Kayo semble trouver d’autres ornements aux joyaux de Gil Scott Heron. D’autres Combinaisons pourrait-on dire!

«Did You Hear What They Said » )sublime encore l’arrangement, en isole la flûte et la basse sur un nouveau beat surfant sur des claviers cordes, un piano rythmique, un gimmick couplé à des Ya Yaw Hip Hop. Puis soudain tout se ramasse dans une acidité nouvelle pour le final Blaxploitation urbain claquant sa surprise.

Enfin, Kayo isole d’Essex la clameur free jazz du saxophone à la Karma de Pharoah Sanders, la prolonge, trouve d’autres voix à la Sun Ra ou « Black Gold Of The Sun » de Nuyorican Soul remixé par 4 hero, d’autres échos hip hop et stellaires!

A écouter les deux en même temps, les originaux semblent presque ringards, trop bavards, les versions de Kayo plus immédiates, plus mélodiques, comme la saveur originelle qu’on n’eût pas remarquée derrière la voix, le texte absent, le cadre mais cette substantifique moelle de Soul moelleuse est relookée pour les modernités actuelles et futures. Kayo a enlevé le prêché prêcha qui datait un peu pour caparaçonner l’esprit de la forme façon puzzle ou collage. En ce sens au moins c’est une réussite! Pour le reste, on peut toujours réécouter Gil Scott Heron d’une autre oreille renouvelée après cela.

Jean Daniel BURKHARDT

Le jeudi 24 Janvier sort CLEAR FIRE sur le label Gaya, second album du saxophoniste ténor Samy Thièbaut! Après avoir mêlé avec Upanishad Experriences, mêlant Poésies de Baudelaire et Niezsche lues par Jackie Berroyer et Jazz en 2010.

On y retrouve le saxophone Coltranien de Samy Thièbaut sur une rythmique à la Miles Davis (Sylvain Romano basse, Adrien Chicot piano, Philippe Soirat batterie, julien Alour trompette), l’élément vocal et poétique étant assuré cette fois par un chanteur scatteur extraordinaire : Mèta qui rappelle les vocaleses de.... Le compositeur Samy Thièbaut aime les titres en miroir, en diptyque, comme ce False Memories suivi d’un Postlude qui ne vous laissera que de VRAIS souvenirs| !

Samy Thièbaut a aussi le goût des Suites musicales incluant des pièces courtes comme cette Ruthmos Suite ( Panta, Ruthmos plus long et Reï très court) qui nous le révèle plus Coltranien sur une rythme entre Olé et A Love Supreme, avec toujours une belle complicité avec Mèta au chant, plus proche de la complicité qui unissait Paroah Sanders à Leon Thomas dans Karma.

Autre diptyque de Samy Thièbaut sur Clear Fire, Les Yeux de N., introduits par un prélude, à la manière de L’Ecole Française reprise par les Frères Belmondo. Mèta y court comme ce feu clair qui donne son nom à l’album. Sa voix de chamane y passe du grave diphonique mongol aux aigues yodelés des pygmées d’Afrique pour créer ensuite une autre mélodie bouleversante sur la trompette de Julien Alour, jeune frère de la saxophoniste Sophie qui rappelle un peu Booker Little.

Autre qualité qui saute aux yeux et à l’oreille sur le disque de Samy Thièbaut, un sens de l’harmonie et des proportions presque architectural qui place au centre l’instrumental isolé Strange Dance sans Mèta qui rappelle la période Hard Bop de John Coltrane avec Miles puis l’envol de Giant Steps avec un solo d'Adrien Chicot au piano.

Autre suite de Samy Thièbaut, Cultes, avec Aulos (du nom d’un chalumeau musical grec antique joué par l'aulide) où Mèta entonne un chœur à lui tout seul, suivi d’un solo classique d’Adrien Chicot au piano, et de Dionysiaque encore admirablement scatté par Mèta dont l’ubiquité n’a d’égale que la variété mélodique.

Daïmon était chez Socrate une divinité intérieure inspirant le jugement. Celui de Mèta, porté par Adrien Chicot au Wurlitzer vient d’Afrique au Brésil sur un saxophone de Samy Thièbaut à la Wayne Shorter.

Mais Samy Thièbaut sait aussi Phusis composer une Ballade Instrumentale à l'innocence harmonique bouleversante.

Puis dans Some Other Song, Samy Thièbaut chante une autre chanson du Brésil, Bossa Nova à la Stan Getz.

Enfin, on entend Mèta chanter enfin des mots d’une voix inouïe de maturité Rock avec la raucité comme d'une vie de clopes Riders On The Storm de Jim Morrison pour les Doors avec Alexandre Freiman à la guitare électrique.

Samy Thièbaut sera en concert au new Morning à Paris le 21 février et je passerai l'album demain 24 Janvier dans JAZZOLOGY sur Radio Judaïca à 21 h !

Jean Daniel BURKHARDT

Depuis plus de dix ans, Don Valdès écume les Sound Systems avec Life & Creation. Il livre "EVAZION" ici le premier de trois Street albums Roots Reggae!

« Ecoute » utilise bien le sample en intro « d'un artiste très connu sur cette même instru qui a fait le hit sur cette chanson , un classique du reggae jamaïquain :

"fade away" par junior byles, pour ma version , elle est remaniée un peu plus groovy hip-hop», j’ai toujours aimé le flow Soul de Valdès, le message social en ces temps de crise et de jeunesse indignée des ghettos, sa voix est plus sereine sur ce clavier bien rebondissant et la basse bien groovy!

« Bun Vampire » (« bun c'est l'abréviation jamaïquaine (la patois) de BURN en fait ..on pourrait BURN VAMPIRE... ils aiment brûler les vampires les jamaïquains//// » me rappelle un dub de Scratch qui s’appelle Dracula! Mais ici c’est les vampires du Reggae Bizness. Oui c’est vrai que le mouvement reggae commence à cultiver le même hédonisme débile que la techno. J’apprécie le sound system de Don Valdès « Life & Creation » car ils ont fait des recherches en spiritualité Rasta, m’ont appris des choses sur Marcus Garvey et fait découvrir Count Ossie. c’est leur vie, ils ont une action positive et lucide, donnent la parole aux jeunes MCs ! Pour eux c’est une façon de vivre, un engagement, comme pour Bob et Tosh, pas juste une mode, un genre festif à consommer entre rhum et ganja en se frottant à une nana!

J’aime bien le côté festif d’ « Africa Dream » et ces rires d’enfants, ces trompettes du Festival Reggae Bash (j’ai encore une cassette avec Sizzla) ou ailleurs, ce collectif à la woodstock, Bien de savoir que nos racines sont africaines même ici, et de le chanter Ragga Lover sur un reggae bondissant. Belle mélodie et bon fond de cuivres ! J’apprécie aussi l’idée de cette joie enfantine urbaine que nous avons perdue !

Le titre éponyme nous rappelle pourquoi nous rêvons d’ »Evazion » : ces préjugés et le fric qui pourrit tout dans ce systHaine, ce à quoi il nous force professionnellement, évoqué dans ce titre plus lourd à la basse rappelant « Rock My Boat » ( de Bob Marley & The Wailers avec les Upsetters de Lee Scratch perry et « Duppy Conqueror ». Mais c’est aussi une chanson d’espoir car « Hold Tight », «adressée à shaolin sound, «Hold Tight" étant le surnom du gars qui a produit l'instru de «cette chanson, un peu plus naturelle, un peu hors reggae , très bruit de cascade, d'eau, de vent , d'arbre...etc »

Yeah Man, « Real Rocking Style » me rappelle que je kiffe Studio One et plus le reggae roots qui got soul à la Toots& Maytals (jcrois c’est ça l’orgue au début) que les vocaux ragga braillards comme tu sais, mais là c’est bien sympa et j’adore le trombone à l’unisson à la roland Alfonso Skatalites, le break pull up, la reprise, le solo trombone! Bon mélange d’éléments intéressants dans le backing et trombone citant 54 42 (http://www.youtube.com/watch?v=yjg6flu3zuc&feature=related ) de Toots justement. Mais en fait « On peut «reconnaître dans une des parties la mélodie du chant de Willy williams sur "armagedon time" la plus connue qu'on retrouve sur (la compile) Jamaïcain History ».

Oui je connais cette compilation, empruntée à la Bibliothèque (mais elle était rayée à la période où j’avais invité Don Valdès et Liberate Sound System (premier nom à l’époque de « Life & Creation ») à leur arrivée à Strasbourg début 2000s, car j’y connaissais pas grand-chose en reggae sorti de Bob Marley! Oui ça doit être ça, ce clavier et trombone en fond qui m’a tapé dans l’oreille, mais je PENSAIS que c’était du Toots & The Maytals!

Avec « Johnny Trop Bad » et dans cet album, Don Valdès est arrivé à cette Soul des arrangements à la Studio One mais avec un message actuel, quoique Hooligans (http://www.youtube.com/watch?v=caJF78Kjqt8) ou l’ original « Johnny Too Bad » des Slickers repris par Jimmy Cliff plus rapide! Bonne traduction et bien de pas lui jeter la pierre, c’est la misère et le systHaine. Ouais ici il a un cran d’arrêt, et aux States carrément des guns!

Le « Droit a L’ Amour » est celui qu’il faut revendiquer entre quartiers ghettos et riches, ce monde où nous devrions êtres rois mais on n’apprend pas le respect des autres et de la planète aux enfants, l’amour universel entre nations. L’esprit Reggae prolonge le peace & love, Jah. Beau texte et j’aime bien l’orgue enveloppant et la basse groove.

« C’est un son NU ROOTS, nouveau reggae... oui texte intemporel, un vieux pour moi mais l'occasion de le sortir. Oui une vision très biblique, très "idyllique" tous des rois... mais finalement après nous suivent des nations...si tu regarde apres ta descendance, sur des centaines d'années, tu es "père" ...roi d'un peuple....sans la connotation ROI avec chef dictateur.... »

« Cette France » bénéficie d’une excellente la guitare funky reggae et d’une bonne basse. Cette indifférence aux sdf, ces hlms sont choquants, cette France est une insulte à ses propres principes dans les banlieues. Et c’est entre autres les ventes d’armes dont elle n’a pas besoin qui a mis la Grèce en faillite. Valdès a cette tolérance de ne pas tout rejeter, de croire qu’une solution est possible de l’intérieur, d’Avancer ! Belle mélodie, beau texte !

« Exemple: Strasbourg qui fait poussé pleins de nouvelles "moyennes" tours près des quais UGC , bientôt a Kehl, qui en fait son leitmotiv....c'est une instrumentale produite par un belge dans le reggae...j'apprécie oui ce texte plus réaliste moins terre à terre...moins "spirit"... » Sans parler de la nouvelle loi interdisant de boire dans la rue sous peine d'amende!

J’adore dans «Let Reggae Music Free » la guitare Jazzy à la Ernest Ranglin Jazzy au début, après aussi, ce feeling Jazzy. Le Reggae, si on le considère dans sa globalité historique de Musique Jamaïcaine intègrant Nyabinghi, Ska, Rocksteady, Reggae, Dub, Rabadub, Ragga est libre d’improviser comme le Jazz et doit le rester !

« Je chante cette chanson sur un riddim NU ROOTS plus récent mais pour le street album je l'ai placé sur un classique de MAX ROMEO 'chase the devil"»

J’adore dans « Merci Papa Jah » les cuivres Nyabinghi ska à l’unisson qui improvise justement, vraiment bien si c’est des samples, je veux dire la voix bien placée, et le petit saxo. On dirait la version NY Ska roots roots de Pass The Dutchie par Musical Youth, mais c'est « une instru encore classique du reggae...le "far east riddim" ..d'ailleurs de Roland Alphonso je crois mais ou bien d'autres en chanté dessus! »

Pour Valdès, le Reggae est Spiritualité aussi. Tiens ils ont aussi le sabbat le vendredi chez les Rastas ? Comme les Juifs ? Je ne savais pas ! Je ne suis pas Juif en fait mais cette célébration religieuse ressemble à celle du sabbat juif dans le repas ! Bon Bob parlait de la Bible et d’un passage sur la ganja aussi mais tout de même! En fait chaque titre répond au précédent comme un Concept album, mais philosophique.

« Ne Plus Laisser Faire » a une bonne basse guitare orgue rabadub style à la Scratch, bonne voix de Revolushan Cool ! Oui la Culture souffre d’être considérée comme produit, filière, industrie et non comme art. Sarko avait voulu faire un CNM (Centre National de Musique) et vendre le package à Universal, Disney & Co ! Hollande va au moins organiser des états généraux avec les artistes, labels, salle de concerts concernés ! (cf dernier Mondomix, gratuit chez Harmonia Mundi) « Oui la culture souffre...les artistes sont aussi dans les rues...mais voilà ce texte est constat de tout ce qui est caché finalement qu'on subit mais qu'on encaisse avec courage....oui Revolushan complète parfaitement... production d'un pote de Paname...remixée dans un véritable vrai bon studio... »

J’adÔre le clavier psyché du « Ghost Riddim » Science Fiction sur «Cœur Liberté » et les clashs électro apocalyptiques! Là encore c’est la solution au Ne Plus Laisser Faire! « c'est un ancien du groupe Reunity (un jeune), qui se met à produire, il accompagne Kulcha K notamment ..et ma proposé cette instru...mais d'autres prods arrivent...il évolue très vite.. Son son s’améliore..... »

« Love » est un bon message sur bon riddim Méditation bien Nyabinghi dans la percussion, et bon message d’amour universel dans le flow. Cette révolte n’est pas vaine, car Valdès donne les solutions aussi idéalistes mais possibles, pour une alternative à la violence! J’aime sa voix et l’idée de « la vision que nous possédons tous à part entière », contraire de la dictature, solution collective ! « Encore une prod "mystique" réalisée par Holdtight shaolin sound (son nom de riddim/beatmaker est Loorius) »

Le début de «Respecte Ton Prochain » fait plus Funk que Reggae mais j’adore et la basse aussi. Bon ça fait vraiment penser à « Jeune Homme Motives Toi » sur la seconde Mixtape « Street Album » de Development Unity Crew (http://www.myspace.com/developmentunitycrew) )) mais en mieux que l’original car arrangements plus roots, bon orgue et fin collective. Une autre partie du travail de Valdès et Life & Creation est d’offrir sous ce nom de Development Unity Crew leur Sound System en soutien aux jeunes chanteurs Ragga de la région pour poser leurs textes sur du bon son (ils en ont sorti une troisième depuis, la Touchdown Mixtape le mois dernier.

J’adore la flûte indienne fakir ou clavier au début d’ « Alléluia Time» et le saxo à l’unisson, vraiment bonne impro. J’oubliais que Valdès et Life & Creation connaissaient toutes les Religions du Livre, preuve en est Promesses de Justice, la première Mixtape de Life & Creation, entrecoupée de lectures d’extraits spirituels ou politiques de la Torah, de la Bible, du Coran ou des spiritualités du monde, même de Aung San Suu Kyi que je ne connaissais pas alors). Bon changement de Rythme puis sirènes ! « Ce titre fut réalisé par des gars avec du petit matos mais amoureux du son, les dancehall Holliganz...pas évident a compose pour eux (sans ordi juste machine)...mais ils ont mis l’ambiance dans le mix. »

« Arrêter » termine quand même l’album sur une note d’urgence, de conscience, « arrêter de tout casser » avec Mr Phan contre l’idéologie Gangsta Ragga et pour la Paix, contre commerce des armes et la guerre sur bonne basse et cuivres ! « C’est une vielle chanson que je me devais de faire connaître.. mister phan n'est plus sur la place.. mais voilà, un son entraînant et dénonçant....sur une instru française des années 2006.... » Merci Valdès, passé un bon moment avec ton album ! C’est ce que t’as fait de mieux, par la richesse de styles et d’influences en restant dans le Reggae ou la musique Jamaïcaine, donc on s’ennuie pas à écouter toujours la même chose. « Oui comme dit j’ai utilisé beaucoup de classiques mais on m’a dit de faire plaisir au public reggae en leur redonnant ce goût des classiques avec mon expérience sound system...Un projet perso avec musiciens et musique exclusive viendra plus tard... a la suite des ces 3 street albums qui sortent. et donnent une idée de ma passion et mon petit "talent" de chanteur... Prends soin de toi... ».

Don Valdès a déjà publié le premier extrait de l'album Hip Hop Ragga "Evolution":

"Je vous fait partager le titre "Strasbourg de Nuit'" cette fois ci en intégralité, qui sera présent sur le chapitre 2 "EVOLUTION", prochain street album Hip Hop & Ragga qui sera disponible mi novembre sur les plateformes musicales digitales....

Il s'agit d'une dédicace à Strasbourg à ma manière....

INTRUMENTAL by LOORIUS/HOLDIGHT SHAOLIN SOUND

Big up

Jean Daniel BURKHARDT et « précisions de Don Valdès »

Le Jazz est devenu une musique universelle qui se pratique dans le monde entier même en Israël, et plus que jamais des générations spontanées de jeunes musiciens « sidemen » émérites de gloires plus anciennes et confirmées montent leur propre trio ou groupes. C’est le cas du pianiste israélien Shai Maestro qui après avoir accompagné à 19 ans le contrebassiste israélien Avishaï Cohen (http://www.youtube.com/watch?v=PEhz_0yTavE&feature=related) (privilégiant d’abord le Jazz Américain aux Etats-Unis avec Chick Coréa , puis sous son propre nom, et retrouvant depuis deux albums ses racines israéliennes en chantant du ladino ou ses propres compositions. Après avoir prouvé sa maîtrise des standards Bop ou Hard BopHard Bop Shai Maestro sort six ans plus tard son premier album (http://www.youtube.com/watch?v=a0xPZ3eJ9tQ) « Confession » (http://www.qobuz.com/interprete/shai-maestro-trio/telechargement-ecoute-albums ) chez Laborie Jazz, accompagné de Jorge Roeder à la contrebasse (Roy Haynes, Gary Burton.) à la contrebasse et Ziv Ravitz(Lee Konitz, Esperanza Spalding.) à la batterie.. Et dès ce premier album, Shai Maestro enrichit le répertoire du Jazz de compositions originales variées entre influences classiques, Jazz très moderne à la Esbjorn Svensson Trio, orientalisme festif et mélancolie contemplative cinématographique !

« Confession” commence l’album en solo sur une note introductive mélancolique classique puis “Sleeping Giant” révèle la belle complicité du trio rappelant celui inaugural du trio Jazz piano basse batterie de Bill Evans (piano), Scott La Faro (contrebasse) et Paul Motian (batterie). La rythmique moderne assurée Jorge Roeder à la contrebasse rappelle à l’archet Dan berglund, contrebassiste Hendrixien et Ziv Ravitz à la batterie par ses effets drum’n’bass celle d’Esbjorn Svensson, tandis que Shai Maestro intercale déjà des traits rapides ou orientalisant.

“Brave Ones” est plus pop dans son piano à la EST sur la batterie, suivant la ligne dans sa course imperturbable dans le frétillement des cymbales, s’arrête quand la rythmique se fait plus groove sur la contrebasse, puis repart à la Keith Jarrett, s’allège au fond des touches. Chacun de ces compositions semble raconter son histoire sans paroles dans une dramaturgie dont l’intensité plus ou moins présente et passant d’un instrumentiste à l’autre semble le personnage.

Painting est une musique composée par Shai Maestro pour des peintures de Vilislava Boyadjieva animées en 2 D par David Wegmann Serin, commence très lentement sur une planète, puis focus sur un immeuble, entrée dans une chambre où un personnage aveugle à la Modigliani est assis sur un lit. Sur la contrebasse à l’archet aux résonances baroques, orientalisantes ou asiatiques, il sort par la fenêtre et grimpe sur le toit pointu. Une femme, en robe blanche, aveugle comme lui est dans la lune, il veut la rejoindre mais tombe sur la batterie assourdie. Le piano va larguer les amarres, mais se retient sur la basse. Elle le rattrape, et c’est lui qui va sur la lune tandis qu’elle va dormir dans le lit de la chambre.

Silent Voice est plus rythmé et dramatique sur la basse et la batterie dansante sur des rythmes festifs orientaux où le piano fait chanter silencieusement le fond des touches. On pense à Yaron Herman. La contrebasse passe de l’ancrage ethnique au Mingusien, au groove, puis la danse reprend à pleine voix.

Angelo commence sur un rythme de batterie original, valse émouvante à l’ancienne où l’on croit le voir danser mélancoliquement avec un certain Ellingtonisme oriental et des ralentis sur les cymbales.

Lethal Athlete est un jeu de mots amusant à l’ère du dopage, sur une batterie plus martiale et une basse groovy. On pense à Brad Mehldau ou Jean Michel Pilc, ou Malcolm Braff pour la touche Africaine autour d’une mélodie amusant.

« The Flying Shepherd » est le thème le plus rapide de l’album, suit l’envol de cet agneau dans le ciel à la Tristano en plus oriental, propulsé par la turbine de la turbine de la batterie et la basse qui groove à une vitesse faramineuse, s’arrête puis reprend avec un côté Monkien

Kalimankou Denkou est la seule reprise de l’album, un traditionnel de Krassimir Kuyrkchiyski, et l’album se termine avec « One for AC » (probablement Avishaï Cohen) plus rythmique et orientalisant, avec une chanson cachée où piano et basse joue l’intériorité d’une kora en impro libre.

Ces compositions de Shai Maestro sont exactement ce qu’on attendrait d’un Jazz Israélien en trio, avec cette touche orientalisante et festive, cette mélancolie parfois.

Shai Maestro se produira à guichets fermés au Cheval Blanc de Schiltigheim le lundi 15 octobre mais vous pourrez entendre cet album demain jeudi 4 octobre à 21 h dans mon émission Jazzology!

Jean Daniel BURKHARDT

Demain dans Jazzology à 21 h je vous présenterai le nouvel album du pianiste Edouard Ferlet « Think Back » à paraître le 1er octobre sur le label Mélisse où il reprend en solo Jean Sébastien Bach en des compositions très originales, très différentes de ce qu'avait pu en faire Jacques Loussier!

Dès « analecta » (morceaux choisis) (d’après le prélude en ré majeur du clavier bien tempéré BW 850), Edouard Ferlet applique au thème une rythmique Jazz contemporaine de piano intérieur rythmique, puis alterne cette rythmique avec une improvisation sur le thème rappelant Glenn Gould, emporte Bach ailleurs et nous le fait entendre différemment.

Partant « à la suite de jean », Edouard Ferlet quitte les suites pour clavier bien tempéré pour la suite pour violoncelle BW 1007. L’interprétation se fige en son milieu, comme à la recherche du thème dans un irisé Debussyste puis le retrouve.

Dans « verso » (d’après le prélude en do mineur du clavier bien tempéré BW 847), edouard Ferlet coiffe par un jeu stride Bach d’un chapeau melon à la Willie Smith The Lion, lui prête une modernité contemporaine à la Schönberg. On pense aussi à un autre pianiste qui mêla Jazz et Bach : Lennie Tristano dans les années 50s. Ecoutons ce Verso, autre côté de Bach.

Edouard Ferlet reste ainsi à la "lisière" du bois du prélude en do mineur pour luth BW 999, Ferlet se rapproche à peine de Bach comme pour ne pas le réveiller, n’en garde qu’une ligne de base sur laquelle il improvise délicatement et tourne autour de lui.

Aspiré par un « souffle magnétique » (d’après la suite française n° 4 en mi bémol majeur pour clavier BW 815) , Ferlet utilise des effets électro acoustiques des cordes intérieures du piano rappelant un theremin, joue de résonances à la John Cage, approfondit de plus en plus la matière sonore, plonge en Bach, attiré par ce souffle Magnétique et trouve des résonances raclées de guimbarde à la Wang Li où l’obsession mélodique hypnotique d’un Philippe Glass.

L’un des airs les plus connus de Bach, le choral de la cantate Jésus que ma joie demeure BW 147 devient ainsi « Que ma tristesse demeure » et commence en effet tristement à la Bill Evans, puis nous emporte comme Keith Jarrett à Köln ou bach nous eût peut être emporté dans es improvisations, nous ne le saurons jamais!

Le déséquilibre se fait rythmique, d’ailleurs caraîbes, comme ce « lapsus » ( d’après le prélude en ré mineur du clavier bien tempéré BW 851) latinisant Bach en biguine Gasconcubine dirait Bernard Lubat, ou le cubanisant à la Chucho Valdès, emmenant Bach aux colonies sur la caravelle de Christophe Colomb!

Edouard Ferlet prend en "diagonale" la variation goldberg n° 25 BW 988), tourne autour d’elle puis la retrouve...

La dernière « réplique » d’Edouard ferlet de ou à Bach ( à son prélude en ré bémol du clavier bien tempéré BW 848) l’imagine encore après un début en furie rythmique à la Keith Jarrett rencontrant Glenn Gould, puis partant comme un fan de Bach sur les chemins de l’Est et des Balkans qu’il parcourut parfois, et jusqu’en Turquie rencontrer des influences orientalisantes à la Bojan Z.

Bref le jazzman Edouard Ferlet rejoint Jean Sébastien Bach lpar l’improvisation, ouvre son répertoire aux nouvelles techniques pianistiques et le fait voyager en des territoires inouïs. Gageons que JSB qui ne manquait pas d'humourni de folie eût apprécié !

Jean Daniel BURKHARDT

Place Klezmer est un duo Klezmer fanfare de poche formé par Yves Béraud (alors accordéoniste de Senem Diyici, voix) et Jean Lucas (tromboniste Jazz de La Poche A Sons, GrOOf, Ovale et Bernica Octet et voix). Ils présenteront jeudi 31 MAI au public leur nouvel album «Amerika !» au Fossé Des Treize à 20 h 30 ! Entrée : 8 € (plein tarif) et 5,5 € (tarif réduit : demandeurs d’emploi, moins de 12 ans, cartes d’étudiant…) Nombre de places limité, réservation conseillée au 06 71 65 19 07 ou par mail (placeklezmer@free.fr)

Tout cet album se compose de courtes pièces émouvantes ou comiques comme les stations d’un train Pogonisia Bessarabia Turquie Ciganistan Amerika avec des retours et des détours.

L’album s’ouvre avec « Gasn Nign », un klezmer traditionnel, première course folle et émouvante de l’accordéon sous la mélodie du trombone.

Dans « A Glezele Vayn », autre traditionnel, c’est l’accordéon qui prend la mélodie à la tzigane et le trombone qui improvise, puis ils se partagent l’accordéon les aigues le trombone les basses.

Sur le classique klezmer « Ot Azoy » (C’est comme ça) connu pour les versions longue durée des Epstein Brothers, ici c’est comme pour chaque titre une miniature, un court métrage furtif, mais qui garde, ramassé, l’enthousiasme vocal collectif grâce aux deux instrumentistes donne de la voix.

Plus court encore (moins d’une minute), « Die reize Nuch Amerika » d’Abe Schwartz rappelle l’exode des juifs d’Europe Centrale et de la plus mélancolique « Pogonisia » qui suit et avec eux de leur musique klezmer vers l Amerika éponyme comme les Grecs du film d’Elia Kazan qui engagea la clarinettiste virtuose « Roi Du KLezmer » Naftule Brandwein venu de Pomeranie auteur du suivant « « Gobîte (Nifty’s Freilach ) ».

L’album est aussi fait de retours cycliques ou clins d’oeils des mêmes thèmes. La musique Klezmer a la particularité d’être gaie ET triste à la fois, successivement sur le même titre, ou par alternance comme dans ce retour mélancolique de « Gasn Nign »,en accordéon solo à la mode tzigane de banquet de mariage.

Mais le BalkAmerika Express Russie USA repart pour une « Bessarabian Breakdown » (dépression de l’exilé de Bessarabie au Etats Unis ?)

L’Express Orient de Place Klezmer le suit aussi d’Orient en Asie par la Turquie avec « Ghiouzel Hassap ». Yves Béraud accompagna longtemps la chanteuse turque Senem Diyici, puis repart vers les Tziganes avec « Honga Ciganeska » de Naftule Brandwein. Dans les pogroms, Tziganes et Juifs également exclus ont pu se côtoyer comme dans « Train De Vie ».

Le second « Reize Nuch Amerika » inaugure une plage de titres plus contemporains utilisant des effets Free Jazz dans l’accordéon rythmique qui semble un soufflet d’ harmonium pakistanais obsessionnel, prolongé par l’intro du souffle rythmique du trombone dans « Mandilakos ». Yves Béraud découvrit le rebetiko grec en 1993 et le pratique avec Maliètés avec qui il joue les musiques de la Mer Egée (en concert vendredi 8 juin à L’Espace Culturel Django Reinhardt) et l’ Electrik Grand Ensemble De La Méditerranée (aux Nuits Européennes en octobre)

Avant qu’on ait eu le temps de se lasser de ces procédés peu conventionnels, Jean Lucas retrouve l’émotion du plein jeu du trombone dans « Dibuk Ser ».

Le duo festif se retrouve pour une « Zeydn’s Tans » de Dave Tarras, clarinettiste rival plus sage de Naftule Brandwein, harangue de ses cris le martial « Der Diduk» de Joseph Chemiavsky et repart sans poser pied à terre pour la Yougoslavie chevaucher comme des enfants les chevaux de bois une «Sirba ( ?) « Sarba Maracinei » de joseph Moskowitz, et termine par un dernier « Reize nuch Amerika », contemporain, Rock où le trombone sous effets semble une guitare électrique Rock à la Krarkauer Klezmer Madness sur un accordéon dub, ou vice versa l’un dans l’autre. Comment font-ils ? A voir sur scène Jeudi !

Bref, Place KLezmer, fanfare de poche itinérante ça joue, ça rit, ça ricane et ça grince en modernisant le genre d’effets inouïs à petites doses et gorgées!

Jean Daniel BURKHARDT